Lors de l'émission, des discussions mettront l'accent sur les artistes et artisans qui ont marqué les 12 derniers mois. André Robitaille rencontrera des femmes qui ont su faire revivre des artistes qui ont marqué notre passé : Marie-Thérèse Fortin (Gabrielle Roy), Debbie Lynch-White (La Bolduc) et Ines Talbi (Pauline Julien).

L'effervescence culturelle jaillit partout au Canada. André Robitaille parlera aussi de l’importance de créer des œuvres qui résonnent à l’extérieur des grands centres avec l’auteur acadien Gabriel Robichaud, l’humoriste et conteur Boucar Diouf, la chanteuse country Guylaine Tanguay et le comédien Guillaume Cyr.

De petits nouveaux se sont également fait entendre. L’animateur s’entretiendra avec des artistes qui ont connu une première expérience convaincante : Mehdi Bousaidan, pour son premier spectacle solo en rodage; Sophie Dupuis, pour son premier long métrage Chien de garde, qui représentait le Canada dans la course à l’Oscar du meilleur film en langue étrangère; Charlotte Aubin, pour son premier recueil de poésie, Paquet de trouble; Vanesa Garcia-Ribala Montoya, pour sa nomination en tant que première danseuse des Grands Ballets canadiens, et Tristan Azar, pour son rôle dans le spectacle musical Les choristes.

L'animateur se demandera comment signer une direction artistique qui parle au plus grand nombre dans le respect de toutes les cultures avec les nouveaux codirecteurs de la Compagnie Jean Duceppe David Laurin et Jean-Simon Traversy, la conservatrice de l’art moderne du Musée national des beaux-arts du Québec Anne-Marie Bouchard, le responsable de la programmation de Fierté Montréal Jean-François Guevremont (Rita Baga) et le directeur sortant du théâtre La Licorne Denis Bernard.

Aussi, deux pianistes qui brillent ici et ailleurs en cumulant des millions d’écoutes sur le web seront en vedette : Alexandra Stréliski et Jean-Michel Blais.

https://ici.tou.tv

Celle que je suis - Geneviève Leclerc  

Que ce soit avec ses propres titres, ou ceux empruntés aux répertoires de Dalida, Johnny Hallyday ou encore Mario Pelchat, Geneviève Leclerc s’impose autant par sa voix que par son talent d’interprète. La pièce de résistance? Sa reprise de I (Who Have Nothing) qui n’a absolument rien à envier aux versions de Shirley Bassey ou encore Ben E. King. (BL) 

Working Class Woman - Marie Davidson  

Quatre étoiles dans le Guardian, tout autant sur Pichfork. Peu d’albums québécois ont eu autant de résonance internationale que ce Working Class Woman. Névrotique, ingénieux et même drôle, le quatrième album de Marie Davidson confirme que son ascension dans les hautes sphères de la musique électronique ne fait encore que commencer. (CB)  

Zay - FouKi  

Dans la foulée de Loud et Koriass, arrive à haute vitesse FouKi, prochain gros nom de la scène rap locale. Sur son premier album Zay, le jeune Montréalais chronique son quotidien avec style et une maîtrise étonnante de la phonétique, le tout appuyé par le travail impeccable à la production de son partenaire QuietMike. (CB)  

Les Matricides - Fuudge   

La formation montréalaise marque un bon coup avec un solide mélange de psychédélisme et de «stoner rock» qui rentre au poste. Un début intéressant et qui va à l’encontre de ce qu’on entend au Québec. (YL)  

Les choses extérieures - Salomé Leclerc  

La voix singulière et la démarche artistique méticuleuse de Salomé Leclerc, remarquées sur ses deux premiers albums traversés de maints flashs de brillance, trouvent sur ce troisième effort un somptueux aboutissement. Seule maître à bord cette fois, Leclerc enchante en refusant la facilité. Du pop-rock d’une rare finesse. (CB)  

Dans ma main - Jean-Michel Blais  

Après avoir vu son premier disque, Il, être unanimement accueilli, Jean-Michel Blais a brillamment poursuivi sur sa lancée avec un deuxième album tout aussi excellent. Très créatif, le pianiste y a incorporé davantage de sonorités électroniques, pour un résultat très réussi. Tout comme Stréliski, Blais continuera de connaître du succès à l’étranger. (RGM)  

Darlène - Hubert Lenoir  

Ceux, peu nombreux, qui connaissaient son groupe The Seasons, savaient. Pour les autres, la majorité, Darlène a été autant le choc que la révélation. Quelque part à Québec s’activait en secret un créateur de musique pop de génie prêt à transgresser les normes tout en offrant une œuvre d’une grande accessibilité. Chapeau! (CB) 

En cas de tempête, ce jardin sera fermé - Coeur de pirate  

Rupture, coming out, épuisement... Il s’en est passé des choses dans la vie de Coeur de pirate depuis la sortie de Roses, en 2015. Et c’est avec son album En cas de tempête, ce jardin sera fermé que la chanteuse s’affranchit de son passé parfois trouble. Plus mature, plus abouti et plus intime, ce quatrième opus en carrière frise la perfection et tourne encore en boucle dans nos écouteurs, et ce, plus de six mois après sa sortie. (BL)  

Inscape - Alexandra Stréliski  

L’année 2018 restera à jamais gravée dans la mémoire de la pianiste québécoise. Grâce notamment à l’apport de Jean-Marc Vallée, qui a placé ses musiques dans plusieurs de ses projets, Stréliski a été révélée à l’étranger. Une consécration pleinement méritée pour celle dont on a écouté en boucle le magnifique Inscape. (RGM)  

Retour à Walden - Richard Séguin  

Des chansons magnifiquement tricotées avec des citations du philosophe américain Henry David Thoreau, sur une trame musicale qui n’est rien de moins que magistrale. Un chef-d’œuvre auquel ont notamment participé Jorane, Élage Diouf et Normand d’Amour. (SG)  

Premier juin - Lydia Képinski  

«J’ai l’impression que les gens ont encore envie de consommer de la culture avec de la viande», a dit Lydia Képinski. Sur son premier album, la jeune auteure-compositrice-interprète honore ses paroles. Son Premier juin est un copieux repas de rock, pop, new wave assaisonné d’une verve qui laisse présager de grandes choses. (CB) 

Nos idéaux - Dumas  

Sans doute l’un des albums québécois les plus sous-estimés de l’année. Avec Nos idéaux, Dumas a livré son meilleur disque en carrière depuis l’acclamé Le cours des jours. À la fois dynamique, planant et touchant, ce disque possède tous les ingrédients pour ramener les fans de première heure de l’artiste. (RGM)

La nuit est une panthère - Les Louanges  

Finaliste aux Francouvertes 2017, Vincent Roberge, alias Les Louanges, a lancé un surprenant premier album très mature et qui se retrouve dans plusieurs palmarès de fin d’année. Difficile à catégoriser, son effort musical flirte parfois avec le R&B, mais aussi l’électro. Un disque qui laisse présager une très belle carrière pour le jeune auteur-compositeur. (RGM)

Quiet River of Dust (Volume 1) - Richard Reed Parry  

Le multi-instrumentiste d’Arcade Fire propose un surprenant voyage musical très éloigné des sonorités festives du collectif montréalais. Un album complexe, riche et recherché. De la très grande musique. (YL)

Cet album porte bien son titre : on plonge tout droit dans une introspection, transporté par les mélodies qui touchent et émeuvent. C’est un magnifique album, interprété par une pianiste de grand talent.

Si vous n’aviez qu’une seule pièce à écouter : Recommencer

La nuit est une panthère – Les Louanges

L’extrait Pitou nous avait mis l’eau à la bouche plus tôt cette année. Il n’y a pas de pièces aussi accrocheuses sur La nuit est une panthère, mais l’intérêt est ailleurs. Sur des rythmes jazzés et R’n’B, Vincent Roberge – Les Louanges, c’est lui et seulement lui – pose sa voix nonchalante, et instantanément, tout devient secondaire dans notre petite bulle. Si l’album s’inscrit dans la mouvance de l’esthétique « chill » (Jerôme 50, Choses Sauvages) qui semble avoir émergé sur la scène indie québécoise en 2018, le son des Louanges ne ressemble à rien à ce qui se fait ici présentement.

Si vous n’aviez qu’une seule pièce à écouter : Pitou

Petites main précieuses – Ariane Moffatt

Inspiré par la naissance de son troisième enfant, ce sixième album d’Ariane Moffatt ne détonne pas dans sa discographie. L’auteure-compositrice-interprète nous offre ce qu’elle fait de mieux : une pop électro de qualité. Les propos intimes (Du souffle pour deux) côtoient les réflexions sociales (Cyborg, La statue) dans une belle homogénéité qui n’est sûrement pas étrangère au travail du réalisateur Philippe Brault. Bref, le premier faux pas dans la carrière d’Ariane Moffatt n’a pas eu lieu en 2018.

Si vous n’aviez qu’une seule pièce à écouter : Pour toi

Beaucoup de plaisir – Les Trois Accords

Qui aurait cru que 15 ans après leur premier succès, Hawaïenne, on aurait encore autant de plaisir à écouter la musique des Trois Accords? Oui, ils ont ajouté un peu de profondeur à leur son et à leurs paroles au fil du temps, mais en somme, l’essentiel de ce qui fait leur charme est toujours intact. Encore une fois, on s’émerveille devant le talent de mélodiste de Simon Proulx, et il faut être sérieusement blasé pour ne pas être de bonne humeur en entendant les paroles naïves et absurdes de Beaucoup de plaisir. Ces gars-là sont incapables de faire un mauvais album.

Si vous n’aviez qu’une seule pièce à écouter : Ouvre tes yeux Simon! 

Hell-On – Neko Case

Pour son 8e album solo, la chanteuse rouquine a fait appel à Bjorn Yttling (Peter Bjorn and John) pour la réalisation et a invité pas moins d’une trentaine de musiciens et chanteurs. Tout ce beau monde a certainement contribué au son riche et éclectique qui en résulte. Neko Case donne toujours dans l’indie folk, mais en explore les différentes nuances et prend des risques, comme sur la magnifique Curse of the I-5 Corridor, en duo avec Mark Lanegan, la plus longue chanson de son répertoire à ce jour. Et cette voix si caractéristique qui nous prend aux tripes, comme toujours…

Si vous n’aviez qu’une seule pièce à écouter : Curse of the I-5 Corridor 

Viens avec moi – Les Hôtesses d’Hilaire

Viens avec moi est un disque concept de rock psychédélique qui dure 90 minutes. On vous l’accorde : dit de cette manière, ce n’est pas super « sexy », mais ceux qui s’installent et écoutent attentivement le quatrième album de ce groupe de Moncton seront récompensés. Dans une histoire qui est une critique acerbe de l’industrie musicale, on suit la montée puis la déchéance de Kevin – un jeune chanteur issu de la téléréalité prêt à tout pour atteindre la gloire – et les déboires de Serge Brideau, le chanteur des Hôtesses, qui tente de faire sa place au soleil. Un opéra rock sarcastique, audacieux et foisonnant.

Si vous n’aviez qu’une seule pièce à écouter : Pousser ma note

La nuit des longs couteaux – Koriass

« J’devrais sortir de l’ombre / J’devrais coller ma blonde / J’devrais border mes filles au lieu de « boarder » l’avion. » Ces phrases tirées de la pièce Alerte Amber résument bien le sentiment de culpabilité qui ronge Koriass sur la plupart des pièces de son cinquième album. C’est que l’année difficile qu’il a passée, lors de laquelle il a dû prendre une pause de la scène pour cause de graves problèmes personnels, aura été l’inspiration directe de ses nouvelles chansons. Toujours aussi précis et incisif dans sa prose, le rappeur fait appel à la nouvelle sensation Fouki sur deux pièces (Miracles et Lait de chèvre). Côté musical, rien de neuf à signaler, sinon l’apport très intéressant des échantillonnages sur J-3000 (extraits de Breaking Away from Sanity, de Kim Carnes) et sur bref. La nuit des longs couteaux n’est pas un album de tout repos, mais il se situe au-dessus de la mêlée de ce qui se fait sur la planète rap québécoise.

Si vous n’aviez qu’une seule pièce à écouter : Éléphant

The Ballad of the Runaway Girl – Elisapie

Cinq ans après la sortie de Travelling Love, avec ses sonorités plutôt pop, Elisapie a mis un terme à une trop longue absence et a fait son retour dans le paysage musical en 2018 avec un album plus terre à terre et réconfortant. C’est suite à une dépression dont elle a parlé ouvertement dans les médias que la chanteuse originaire du Nunavik a amorcé la compostions des pièces de The Ballad of the Runaway Girl. Épaulée par le compositeur et arrangeur Joe Grass et Paul Basque, de Plants & Animals, aux guitares, Elisapie y fait preuve à la fois de force et de fragilité. Chaudement recommandé si vous aimez la musique de Leonard Cohen et de Patrick Watson.

Si vous n’aviez qu’une seule pièce à écouter : Don’t Make Me Blue

Nos idéaux – Dumas

Le sujet est souvent revenu dans les entrevues que le chanteur a accordées lors de la sortie du disque : Nos idéaux est un album de remises en question. Enregistré alors qu’il était complètement sobre depuis quelques mois, Dumas regarde dans le rétroviseur pour mieux comprendre l’état des lieux. Le résultat, loin d’être déprimant, fait ressortir le meilleur du chanteur. Côté musique, la réalisation de Gus Van Go apporte du relief, et l’équilibre pièces planantes-pièces dansantes est parfaitement dosé. Peut-être le meilleur album de Dumas depuis Fixer le temps.

Si vous n’aviez qu’une seule pièce à écouter : Bleu clair

In a Poem Unlimited – U.S. Girls

Qui a dit que la musique pop ne servait qu’à divertir ? Meghan Remy et son projet U.S. Girls prouvent le contraire sur In a Poem Unlimited. Dans la continuité du précédent album, Half Free, la Torontoise offre une réflexion sur différents enjeux de société – mais principalement sur les abus divers que subissent les femmes dans notre système –, avec toujours cette révolte et cette colère sourde comme toile de fond. La musique, souvent très pop (Rosebud) ou parfois même disco (Mad as Hell, Time), et cette voix qu’a Remy – à mi-chemin entre celle de Madonna et de Gwen Stefani – contrastent avec la dureté des propos. Le tout donne un objet assez unique est consistant. Pas étonnant qu’In a Poem Unlimited se soit qualifié pour la courte liste du prix Polaris.

Si vous avez une seule pièce à écouter : Pearly Gates

Inscape – Alexandra Stréliski

Le deuxième album d’Alexandra Stréliski aura été la bande sonore de l’automne 2018 pour plusieurs mélomanes. Et pour cause! Le consensus autour d’Inscape et de sa douce musique néoclassique rappelle l’engouement qu’il y a eu pour Solo Piano, de Chilly Gonzales, il y a une quinzaine d’années. On y trouve cette même accessibilité et cette réalisation totalement dépouillée. Celle qui s’est fait remarquer par sa présence dans les trames sonores des films et des séries télévisées de Jean-Marc Vallée avec seulement un piano comme outil nous invite à un voyage dans son paysage intérieur (Inscape), et chaque écoute nous bouleverse.

Si vous n’aviez qu’une seule pièce à écouter : Plus tôt

Le sens des paroles – Alaclair Ensemble

Deux ans après Les frères cueilleurs et la chanson qui a élargi son bassin d’auditeurs, Ça que c’tait, Alaclair Ensemble aurait pu revenir avec un album plus « pop ». Il n’en est rien. Le sens des paroles creuse encore plus dans ce qui fait la singularité de l’art créé par cette formation : une chimie à toute épreuve entre les six membres, sans oublier une créativité sans retenue, et ce, autant pour le son que la prose. Même si l’autodérision et l’humour ne sont jamais bien loin, les « minces » prennent une tangente un peu sérieuse, le tout sur des sonorités latines, G-funk et R’n’B.

Si vous n’aviez qu’une seule pièce à écouter : Paroisse

Premier juin  – Lydia Képinski

Le premier vrai album de Lydia Képinski est sorti sans crier gare au mois d’avril. Une sortie inattendue, en phase avec la spontanéité de la chanteuse et des surprises qui nous attendent tout au long de l’écoute de Premier juin. À travers les références à Diane Dufresne, aux Mystérieuses cités d’or, à la musique classique, au rap et au rock progressif, l’interprétation à fleur de peau de la fougueuse chanteuse nous garde sur le fil du rasoir du début à la fin. Un album qui a du souffle et qui confirme la place de Képinski (âgée de seulement 25 ans) parmi les auteurs-compositeurs-interprètes de marque du Québec.

Si vous n’aviez qu’une seule pièce à écouter : Premier juin

Meilleur après – Diane Dufresne

La sortie d’un album de Diane Dufresne est toujours un événement en soi. Il s’est écoulé 11 ans depuis son dernier album, et la diva québécoise se fait rare depuis une vingtaine d’années. Sur Meilleur après, elle signe quatre textes, dont un sur l’écologie (L’arche) et un autre très intime sur le passage du temps (Le temps me fait la peau). Musicalement, la facture est plutôt classique dans son ensemble – piano, cordes –, mais on est surpris d’entendre l’influence de Björk sur Comme un damné (qui rappelle Human Behaviour en plus lent). Si c’était pour être son dernier album, et on souhaite que ce ne soit pas le cas, c’est une sortie de scène des plus réussies.

Si vous n’aviez qu’une seule pièce à écouter : Mais vivre

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Et vous, quel album d’ici a tourné en boucle dans vos oreilles en 2018?

Les 10 chansons les plus en demande de Stréliski, dont on peut entendre la musique dans les films et séries télé de Jean-Marc Vallée, cumulent plus de 28 millions d’écoutes. Blais ? À elle seule, sa pièce Nostos a été écoutée plus de 28 millions de fois.

Blais vient tout juste de mettre sur le marché un nouveau EP, Eviction Sessions, nommé ainsi parce qu’il a été enregistré dans son ancien appartement après avoir reçu un avis d’expulsion du propriétaire.

Lancé au début octobre, l’album INSCAPE, d’Alexandra Stréliski, s’est pour sa part maintenu au sommet des ventes québécoises lors des deux semaines suivant sa parution. Il a facilement dépassé le cap des 10 000 exemplaires vendus, un accomplissement remarquable de nos jours.

Elle sera même l’une des têtes d’affiche du Festival de jazz de Montréal.

« Quand on a lancé notre communiqué de presse, il y a quelques semaines, pour annoncer des shows de 2019, on avait George Benson, Mélody Gardot, Pink Martini et quelques autres. Le nom qui est revenu le plus souvent dans les médias, c’est celui d’Alexandra Stréliski », note, avec étonnement, le programmateur Laurent Saulnier.

La résistance

Comment expliquer un tel élan d’amour pour cette musique instrumentale aux mélodies certes accrocheuses, mais à l’esthétique minimaliste hors de notre temps ?

Jean-Michel Blais y voit un acte de résistance, un pied de nez à notre rythme de vie effréné. « C’est une réponse à un besoin de collectif parce que nous sommes tellement dans une société “individualisante” », analyse-t-il.

Ce retour à un son pur et sans apport synthétique prend tout son sens dans l’intimité d’un concert, ajoute le pianiste. « S’il y a une panne de courant, c’est encore meilleur », image-t-il.

Alexandra Stréliski acquiesce. « C’est une musique qui nous incite à ralentir et à aller dans nos émotions. À prendre le temps de faire un peu d’introspection. J’ai l’impression de faire la seule petite chose que je peux faire comme humain pour essayer de mettre du beau et du doux dans le monde. »

Faire tomber des murs

Popularisé par des artistes internationaux comme Nils Frahm, ou montréalais comme Chilly Gonzalez et son album Piano Solo 1, le néoclassique a la particularité, contrairement à la musique classique traditionnelle associée à l’élite, de pouvoir séduire toutes les classes sociales.

Jean-Michel Blais croit que ce mouvement peut faire tomber des murs et permet aux gens de reconnecter avec le classique.

« Les gens ont tous aimé le Canon de Pachelbel et Satie. Est-ce qu’il y a moyen de se le réapproprier ? Et pas juste en consommant le passé, mais en créant quelque chose aujourd’hui. Encore plus, si c’est un petit gars ou une petite fille de chez nous. »

Certainement, lui ont déjà répondu de nombreux mélomanes québécois.

Animation : Marie-Christine Trottier

Au cours de l’émission, elle nous révèle que la musique de Glenn Gould lui a servi de berceuse tout au long de son enfance, elle explique qu’elle doit contenir sa « patte gauche » en studio, et elle raconte comment la musique de Grieg l’a persuadée de poursuivre une carrière en musique quand elle a eu envie de tout lâcher. Alexandra Stréliski explique aussi pourquoi elle a tenu à enregistrer Inscape sur le piano droit de son enfance, et qu’est-ce qui fait elle chérit l’œuvre de Chopin, même si elle a vécu une expérience traumatisante en jouant de sa musique.

On a pu entendre Alexandra Stréliski au cinéma; elle nous dit au cours de l’entrevue quelles musiques de cinéma l’ont particulièrement marquée, et elle braque les projecteurs sur quelques compositeurs néo-classiques qu’elle juge dignes d’être découverts. Enfin, on apprend que Carmina Burana l’accompagne souvent lorsqu’elle fait la vaisselle...

Un entretien plein de confidences et d’anecdotes, où la pianiste-compositrice, fidèle à elle-même, nous invite dans une bulle qui porte sa signature distinctive!

https://www.icimusique.ca

Reconnue pour sa musique néo-classique puisée dans l’émotion pure, elle peint de grands portraits musicaux à chaque fois que les marteaux de son piano frappent les cordes. On est allé à sa rencontre pour lui poser quelques questions sur sa vision, sa créativité et, pourquoi pas, sur ses goûts personnels.

Dans tes œuvres, tu préfères t’en tenir à tes émotions et à l’inspiration plutôt qu’à ta formation classique. De quelle manière est-ce que la formation peut constituer un frein pour ta créativité?

Il y a eu deux moments dans ma vie où j’ai été écœurée de jouer du piano. C’est arrivé à l’adolescence et quand j’ai fini l’université. J’avais fait ma technique d’écriture, ma théorie et tout. Quand je suis sortie de là, j’avais juste des formules mathématiques dans la tête quand venait le temps de jouer. J’ai arrêté de composer pendant environ deux ans, jusqu’à ce que je puisse retrouver un rapport spontané avec la musique. Pour oublier un peu tout ça.

« JE N’AI PAS UN RAPPORT INTELLECTUEL AVEC LA MUSIQUE. »

Je n’ai pas un rapport intellectuel avec la musique. Du tout. Ni au niveau du répertoire ni au niveau de la théorie. J’ai appris tout ça parce que si je voulais diriger des cordes et faire des trucs comme ça, c’est définitivement utile. C’est un langage. Maintenant, je le connais, mais c’est comme pas naturel pour moi. C’est juste que ça m’a empêché de composer pendant un moment.

As-tu toujours eu cette facilité à te vulnérabiliser comme tu le fais dans ta musique?

En fait, à l’adolescence, j’étais vraiment coupée de mes émotions. J’essayais de montrer que j’étais capable d’en prendre. En vérité, je suis quelqu’un de vraiment sensible, mais je le cachais. Je le barrais carrément. Je me suis moi-même fait violence à travers ça parce que je n’ai pas fait attention à ma sensibilité, et quand j’écoutais des œuvres déstabilisantes, que ce soit au cinéma ou en musique, ça me ramenait un peu à qui j’étais réellement. Ça me désarmait.

Tu composes de la musique qui se retrouve au cinéma. Quel genre de film vient particulièrement te chercher en tant que spectatrice?

J’adore les storylines où t’as des personnages qui ont des vies parallèles à travers le temps. À chaque fois que le temps est fucké et que les gens sont reliés. Au niveau du timeframe, j’aime des trucs comme Memento. Sinon j’aime aussi les films comme Love Actually où il y a comme dix personnages dans le temps des Fêtes. J’aime les lignes parallèles parce que ça donne l’impression que tous les humains sont reliés. Et je sens qu’on l’est, quelque part. Tout est dans tout.

T’es une amatrice de films d’horreur?

Je ne suis pas vraiment fan du genre, je suis mille fois trop sensible pour ça. Je me souviens quand j’étais allée chez une amie pis on avait regardé Poltergeist. Je devais avoir 11 ans. Pis oublie ça, j’ai pas dormi de la nuit! Mes parents sont venus me chercher. Je suis encore traumatisée par la petite fille dans la télé. Il y avait aussi le gars qui apparaît dans le miroir vers la fin du film. Donc, non, je suis pas vraiment une fan de thriller. Maintenant, je ne me fais plus ça!

Tu portes attention à la musique de film depuis longtemps. Tu le faisais avant même que ta propre musique puisse tapisser une œuvre. Qu’est-ce qui constitue de la mauvaise musique de film selon toi?

« DE LA MAUVAISE MUSIQUE DE FILM, C’EST QUAND ÇA PREND TROP DE PLACE. »

De la mauvaise musique de film, c’est quand ça prend trop de place. C’est lorsque ça se veut poignant, mais que c’est juste en train de révéler des choses que le spectateur a déjà compris! Donc si on remarque trop le score, c’est que c’est pas super bien fait. Ça peut être parce que c’est juste décalé ou encore parce que l’ego du musicien est dans le chemin. Ça gosse!

5 CHANSONS QUI ONT JOUÉ UN RÔLE IMPORTANT DANS TON PARCOURS OU DANS TA VIE EN GÉNÉRAL…

1) Glenn Gould — Variation Goldberg BWV 988 — Aria 

C’est la cassette que ma mère me mettait au moment de me coucher. Je me suis endormie avec ça pendant vraiment longtemps. Ce que j’aimais, c’est que tu l’entends chanter. Tu entends un peu sa vibe de pianiste. Sa sensibilité, dans le fond. C’est sûr que ça m’a influencé. C’est ma tendre enfance. Je devais m’endormir après cette toune-là, qui est la première de l’album d’ailleurs. C’est pour ça que je l’ai choisie.

Avec le recul, c’est super imparfait comme enregistrement. C’est classique, mais imparfait. Et ça, ça me ressemble encore à ce jour. Ça va chercher le côté brut. Ça me touche moins quand tout semble parfait. Tandis que ça, c’est touchant.

2) Philip Glass – The Poet Acts

J’ai découvert la toune dans le long-métrage The Hours que j’ai vu à l’adolescence et ça m’a vraiment inspiré à vouloir faire de la musique de film. Je connaissais déjà Philip Glass par ses bandes sonores comme celles du Truman Show et de Metamorphosis. Mais tsé, The Poet Acts, c’est juste un ostinato. Ce sont des cordes qui tournent. Il y a peu de choses, mais en même temps, ça dit tout. Toute la charge émotionnelle est là. Pis il y a beaucoup de musique dans le film. Ça m’a fait réaliser qu’un score, ça peut être très peu et tout dire en même temps. Être minimaliste et émotif. C’est exactement la bonne charge. J’ai trouvé ça super inspirant.

The Hours m’avait beaucoup marqué. C’est un film vraiment complet où tout est en harmonie. Tout est à la bonne place. C’est une véritable œuvre cinématographique. Philip Glass est connu pour être vraiment redondant dans ses affaires, mais en termes de score, il est vraiment particulier. Je l’ai vu live à la Maison Symphonique, j’étais au deuxième rang. Il a joué Mad Rush au piano et j’ai fondu en larme à la première note tellement il est puissant dans son être. C’est un artiste vraiment incarné.

3) Edvard Grieg — Elegy Book 2, Opus 38

C’est surtout pour l’anecdote que je l’ai choisie. C’est la pièce que j’ai jouée en concert à un moment de ma vie où j’avais envie de lâcher le piano, puis à cause de celle-ci, je n’ai finalement pas arrêté. C’était vers la fin de mon conservatoire. J’avais simplement envie de tout arrêter pis j’ai eu la meilleure note de l’année en collégial 2. Ça fait que j’allais finalement jouer dans la grande salle à McGill. J’ai joué cette pièce-là que ma prof avait sélectionnée. Je la jouais vraiment lentement, de manière un peu tordue. Au moment où je me suis arrêtée, il y a eu un long silence. Un silence qui parle, un silence chargé. C’était l’émotion du moment. Je me souviens, il y avait une vieille madame polonaise qui pleurait en avant. C’est vraiment ce moment-là qui a été déterminant pour me ressaisir.

4) Whitney Houston – I Have Nothing 

C’est une toune qui rend hommage à la place que prend la pop dans ma vie. Et surtout dans mon char! J’ai choisi cette chanson-là parce que récemment je suis allée en France chez des amis et on a blasté le vinyle de Whitney Houston. On s’est égosillé à chanter et c’était très cool comme moment! Chez-nous, j’écoute plus du indie folk. De la musique comme Avec Pas d’Casque, Sufjan Stevens, Safia Nolin ou Jose Gonzalez. Mais dans mon char, j’écoute du gros pop genre Stromae, Jain ou Lana Del Rey. Je trouve ça vraiment bon.

J’aime la musique catchy pis ça paraît dans ma musique quand même. J’aime les hooks. Ça pogne à planche et c’est pas pour rien. Il y a quelque chose d’universel dans ces musiques-là, et moi, c’est ce qui m’intéresse dans tout ça. Trouver quel est le lien entre les gens. C’est comme le leitmotiv de ma vie. Je cherche ce qui va rassembler les humains et je trouve que la pop le fait bien.

5) Tire le coyote – Le ciel est backorder

C’est une toune qui m’a marqué récemment parce que j’ai perdu un ami cher cette année. Tire le Coyote (Benoît Pinette), je l’avais déjà entendu, mais je ne l’avais jamais vu jouer live. Je l’ai vu à la télé, pis je pense que c’est là qu’il m’a le plus rentré dedans. Ça m’a fait penser à mon ami. C’est une très belle toune et c’est vraiment un beau texte. Il y a quelque chose de brut, de poétique. Pis c’est un bel artiste. Il est original et il a une voix de soprano. C’est quelque chose que j’aime beaucoup chez lui. Il a une belle sensibilité.

La vie est tellement allée vite dans les derniers mois que je process mon deuil petit peu par petit peu. C’était un de mes meilleurs amis de mon cercle privilégié. Il avait le cancer depuis 8 ans. Il est mort en mai dernier. Il y a tellement de grosses choses qui se pointent dans ma vie ces derniers temps auxquelles je dois faire face. Quand j’ai écouté Tire le Coyote, ça m’a comme remis tout ça en face. Je me suis mise à brailler, pis ça m’a fait du bien. Ça m’aide à faire mon deuil.

Alexandra Stréliski vient d’annoncer une supplémentaire pour son spectacle sold-out de Québec, ça se passe le 2 mars 2019 au Palais Montcalm.

Elle sera de passage à Montréal le 4 juillet 2019 dans le cadre du Festival de Jazz.

Hubert Lenoir – Darlène

La Révélation Radio-Canada en chanson pop nous offre un premier album solo aux allures d’un opéra post-moderne. Se promenant entre le rock, la ballade sensuelle et rêveuse, la relecture (Si on s’y mettait, de Jean-Pierre Ferland), le R’n’B, le jazz et la musique instrumentale, Hubert Lenoir s’émancipe, et on s’emballe!

Dumas – Nos idéaux

Sur Nos idéaux, la pop-rock-électro atmosphérique de Dumas est toujours aussi entraînante. Compositeur et mélodiste hors pair, le musicien parvient sans cesse à se réinventer et signe l’un de ses meilleurs albums depuis Le cours des jours, paru il y a déjà 15 ans.

Ariane Moffatt – Petites mains précieuses

Ariane Moffatt continue d’explorer et de s’affirmer comme l’une des auteures-compositrices-interprètes les plus créatives et importantes de notre chanson. Sur ce sixième album, elle s’associe au prolifique Philippe Brault pour nous offrir des arrangements riches et complexes ainsi que des musiques qui évoquent un climat nocturne. À nouveau, Ariane parvient à séduire et à émerveiller.

Richard Séguin – Retour à Walden : sur les pas de Thoreau

Cet hommage au philosophe abolitionniste Henry David Thoreau est une œuvre ambitieuse qui apparaît à contre-courant dans notre époque précipitée. Avec ce disque orchestral et engagé à l’envergure d’un conte musical, Séguin signe une véritable fresque historique. Grandiose et important.

Safia Nolin – Dans le noir

Avec son deuxième album de chansons originales, Safia Nolin réussit à nous donner des frissons avec des chansons guitare-voix dépouillées, tristes, pures, ancrées, taillées dans un folk spectral et saisissant. C’est dur, c’est plein de douceur douloureuse, et surtout, c’est beau à en pleurer. Encore une fois, par la force de son talent, l’auteure-compositrice-interprète nous jette en bas de notre chaise.

David Myles – Le grand départ

Il ne manquait à peu près que la chanson en français au tableau des réussites de David Myles, qui maîtrisait déjà autant le folk, le jazz, le rockabilly et… la musique de Noël! Entouré de ses vieux comparses Alan Jeffries à la guitare et Kyle Cuniak à la basse, puis bénéficiant de l’apport de François Lafontaine à la réalisation, Myles signe un album non seulement étonnant, mais tout à fait brillant.

Les Trois Accords – Beaucoup de plaisir

Mélodies contagieuses, textes absurdes, énergie rock et attitude punk qui pétille : tous les ingrédients sont réunis sur ce sixième album des Trois Accords pour vivre un joyeux party! Simon Proulx est certainement l’un des meilleurs mélodistes de la province, et il le prouve encore une fois sur les 11 pièces de cet album. Le plaisir est contagieux.

Diane Dufresne – Meilleur après

Les 11 ans qui séparent Effusions (2007) et Meilleur après auront permis à la diva Diane Dufresne de fourbir ses armes et de nous présenter un album solide du début jusqu’à la fin. De sa voix souple, présente, juste, à la fois séductrice et acrimonieuse, Diane Dufresne transforme toute sa colère envers les injustices de ce monde en beauté et en tendresse. Dès les premières notes, on sait qu’on est bel et bien partis pour un beau tour de montagnes russes.

Dominique Fils-Aimé – Nameless

Ce deuxième album aux couleurs blues et soul de Dominique Fils-Aimé est pour le moins prenant. La voix souvent époustouflante de beauté de la chanteuse s’élève au travers de sublimes harmonies vocales. Une merveilleuse et immense surprise.

The Brooks – Freewheelin' Walking

Freewheelin’ Walking est une incursion beaucoup trop courte de quatre superbes morceaux en territoire funk absolument libre, exécutés avec maestria. Funk accrocheur, livré par les nouveaux maîtres du genre.

Samuel Blais – Equilibrium

Passions, souvenirs, idées, joies, doutes… À travers son jazz, le saxophoniste québécois Samuel Blais exprime sur Equilibrium l’urgence de vivre qui l’habite. L’album est l’équilibre entre l’intellect d’un jazz riche et complexe et l’ivresse d’une vitalité expressive à la fois touchante et fortifiante.

Jordan Officer – Three Rivers

Réalisé par Charley Drayton, collaborateur entre autres de Miles Davis, de Bob Dylan, de Johnny Cash et de Neil Young, Three Rivers nous accroche par sa finesse et ses textures. Avec sa retenue habituelle, Jordan Officer infuse ici à son blues de la lumière et du pur contentement. Officer continue de nous toucher avec la fraîcheur de son blues et sa voix vulnérable.

Ingrid Jensen et Steve Treseler – Invisible Sounds: For Kenny Wheeler

La trompettiste canadienne Ingrid Jensen, le saxophoniste Steve Treseler ainsi que plusieurs autres musiciens, dont le pianiste Geoffrey Keezer, rendent un vibrant hommage au compositeur et trompettiste Kenny Wheeler. La symbiose à la fois collective et stylistique de l’ensemble crée l’une des plus belles sorties de l’année.

Alex Lefaivre Quartet – YUL

Alex Lefaivre et ses amis Erik Hove à l’alto, Nicolas Ferron à la guitare électrique et Mark Nelson à la batterie proposent en musique un message d’amour et d’admiration à Montréal. Sur YUL, la métropole est belle, lyrique, mélodique et sertie d’harmonies contemporaines. L’énergie montréalaise est ici brillamment jazzée.

Marianne Trudel et Karen Young – Portraits: Songs of Joni Mitchell

Le piano génialement poétique et source de lumière de Marianne Trudel ainsi que la voix juste assez fragile de Karen Young entrent en communion avec l’esprit des chansons de Joni Mitchell. C’est beau, c’est touchant, c’est même poignant, sans jamais perdre cette note d’ironie, ce regard en coin complice que nous envoie Joni. L’un des beaux albums de l’année.

Jean-Michel Blais – Dans ma main

Comme suite à son magistral premier album, IL, le pianiste Jean-Michel Blais raffine son style déjà si délicat, navigant sans s’amarrer entre le néo-classique, le minimalisme et la pop. Poussant davantage l’habillage électronique, avec Dans ma main, le musicien présente un résultat nocturne et mystérieux où son extrême sensibilité nous garde en éveil.

Alexandra Stréliski – Inscape

La musique est à la fois fragile et tenace. Autant elle nous remue, autant elle se fait réconfortante, comme notre douillette préférée un jour de pluie. Autant elle est songée, autant elle demeure accessible et évite de tomber dans la prétention. Nous nous y retrouvons, nous y reconnaissons, sans avoir à nous poser de questions. Inscape nous rappelle que chacun aurait avantage à ralentir et à se donner la force de se choisir.

Alain Lefèvre – Aux frontières de nos rêves

Coup magistral du pianiste Alain Lefèvre, qui propose avec Aux frontières de nos rêves un premier enregistrement du Concerto de l’asile, de Walter Boudreau. Accompagné de l’Orchestre du Centre national des arts (CNA) d’Ottawa dirigé par Alexander Shelley, Lefèvre offre un voyage bouleversant et profondément saisissant pour l’auditeur.

Caroline Gélinas et Olivier Godin – Confidences

La voix de la Révélation en musique classique 2017-2018 est ici belle, lumineuse, franche et gracieuse. Accompagnée au piano de la touche doucement perlée et parfaitement expressive d’Olivier Godin, la mezzo-soprano nous invite dans des univers merveilleux et envoûtants.

Marc-André Hamelin – Sonate en si bémol majeur D960

La Sonate en si bémol majeur D960, de Schubert, œuvre magnifique et l’un des grands accomplissements de la créativité humaine, rencontre l’exceptionnel pianiste Marc-André Hamelin. De la beauté envoûtante des lignes schubertiennes du premier mouvement jusqu’aux Quatre impromptus D935, Hamelin magnifie la beauté ineffable de ces morceaux.

Quartom – Renaissance

Le quatuor vocal Quartom offre un répertoire en apparence plus grave, voire austère, celui des chants sacrés du Moyen-âge et de la Renaissance (15e-16e siècles). On dit bien « en apparence », car il est irrésistible pour ceux et celles qui seront prêts à être touchés profondément. Renaissance est un accompagnement sérieusement libérateur de tensions quotidiennes.

Solistes de l’OSM – Octuor en fa majeur D803 de Franz Schubert

Les Solistes de l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM) s’attaquent à l’Octuor en fa majeur D803 de Franz Schubert, l’un des plus grands chefs-d’œuvre du répertoire, et l’élite OSMienne s’en tire avec panache! Ici, tous les instrumentistes sont impliqués dans la création d’un paysage musical à la fois pudique, bienfaisant et émouvant. 

Ramon Chicharron – Merecumbé

Avec cet album au son rond et joyeux, Ramon Chicharron laisse tomber les cuivres pour mettre l’accent sur des guitares mélodiques et des congas aux rythmes plus tempérés. Avec Merecumbé, les rythmes afro-colombiens traditionnels côtoient le funk, le ragga, la guitare psychotropicale et les sonorités électroniques pour un album plein de soleil.

Jeremy Dutcher – Wolastoqiyik Lintuwakonawa

Franchement inusité et très séduisant, Wolastoqiyik Lintuwakonawa, du chanteur, pianiste et compositeur Jeremy Dutcher, de la nation malécite de Tobique, au Nouveau-Brunswick, guide l’auditeur avec douceur et respect à travers les racines d’un peuple dont on néglige injustement l'histoire. Chantant en langue malécite et faisant revivre des enregistrements datant de plus de 110 ans, Dutcher présente un album aussi splendide que précieux.

Wesli – Rapadou Kreyol

Pour son cinquième disque, Wesli remet ça avec pas moins de 21 chansons chantées en yoruba. Sur des musiques inspirées de traditions haïtiennes, Rapadou Kreyol fascine par l’abondance de cordes, les chœurs et la diversité des rythmes. L’audacieux et passionné Wesli s’en donne à cœur joie dans les rythmes rada, et nous en redemandons!

Noubi Trio – Couleur terre

Apaisantes, vivifiantes et engagées, les chansons afro-acoustiques du Noubi Trio. La douceur de la guitare enrobe des chansons qui nous ramènent toutes à cette notion de paix et de fraternité. Battant la mesure sur des rythmes funk, folk et reggae, Couleur terre est l’un des meilleurs disques estivaux enregistrés ici. 

Genticorum – Avant l’orage

Si certains groupes de musique trad comptent sur des rythmes allants, une instrumentation garnie et une énergie brute, Genticorum choisit de faire autrement. On varie les procédés dans les arrangements et on réussit à constamment nous surprendre, sans toutefois faire compliqué pour faire compliqué. Au contraire, on donne dans la dentelle.

Le Vent du Nord et de Temps antan – Notre album solo

L’union, en 2016, de ces deux groupes phares de la musique trad était vouée à une existence ponctuelle. Mais leur musique était tellement festive que, tel un bon party, ça a levé : des spectacles se sont ajoutés en 2017, puis en 2018. Et le succès s'annonce international : la musique de Notre album solo résonnera même au prestigieux Carnegie Hall en 2020!

Nicolas Pellerin et les Grands Hurleurs – Chouïa

Les arrangements sont brillants; ils commandent une écoute attentive. En trad, le danger est d’enterrer la chanson sous une multitude d’instruments et d’en perdre l’âme. Bien qu'ils soient complexes, les arrangements sur Chouïa ne tombent pas dans ce piège. La musique trad de Nicolas Pellerin et les Grands Hurleurs est ouverte sur le monde. La présence de tous les collaborateurs met en valeur à la fois chacune des œuvres et le grand talent des musiciens.

David Portelance – Un abri contre le vent

Un deuxième splendide album pour l’exceptionnel auteur et compositeur David Portelance. Beaucoup plus abouti que le disque précédent, Un abri contre le vent est un bouquet de chansons déchirantes où l’on suit le chanteur dans sa quête du bonheur. Le ton, la poésie et les arrangements, ici, tout est magnifique. Un grand disque folk.

Foisy. – Foisy.

Doux, mélancolique et bouleversant, ce premier trop court album (cinq pièces) de Foisy. (Marc-André Foisy) fait l’effet d’un baume. Le folk du jeune auteur-compositeur-interprète, admirablement enveloppé du violon souvent déchirant de Laurence Möller, fait rêver de grands espaces puis laisse présager de belles et grandes choses pour la suite de son parcours.

Elisapie – The Ballad of the Runaway Girl

Il y a de la force et du réconfort au creux de ce The Ballad of the Runaway Girl. Instrumentation filée comme de la dentelle, une voix aérienne et séduisante, qui ne porte pas, mais qui envoûte même quand les tempos tempêtent. Elisapie retourne aux sonorités chaleureuses des instruments acoustiques et à la rudesse des guitares électriques, et on l’écoute encore et encore.

Fred Pellerin – Après

Ce magnifique Après, c’est Fred Pellerin et son complice caxtonien Jeannot Bournival dans une sobriété musicale comme jamais auparavant. Peu importe l’auteur dont il décide de chanter les mots (David Portelance, Mélanie Noël, Jacques Michel, Martin Léon ou Manu Trudel), Fred entraîne nos émotions dans des contrées paisibles, et tout doucement, à nouveau, il nous renverse.

Florent Vollant – Mishta Meshkenu

Sur Mishta Meshkenu (la grande route, en innu), Florent Vollant chante les déplacements, le mouvement et le nomadisme. Il nous propose des musiques americana qui évoquent les espaces vastes et les immenses forêts de pins. Les musiques et l’authenticité de Vollant nous parlent avec cœur.

Bolduc tout croche – Grande santé

Ce troisième album complet de Bolduc tout croche (Simon Bolduc) est l’une des plus formidables surprises de l’année. Grande santé trouve toute sa force dans des lignes de guitares énergiques, aussi grinçantes que séduisantes. Simple dans la forme, mais savamment habillé de puissantes instrumentations, l’amateur de folk peut difficilement trouver des musiques mieux enracinées dans le genre.

David Marin – Hélas Vegas

Le méthodique amoureux des mots aux tournures brillantes se fait ici plus personnel, mais sa poésie est à nouveau recherchée, touchante et remplie d’espérance. David Marin prouve sur Hélas Vegas, son troisième album, qu’il est hors de tout doute le plus méconnu des artistes incontournables de notre chanson.

Paul Daraîche – Ma maison favorite

Des guitares douces, de la pedal steel en abondance et des violons ici et là pour ajouter aux tourbillons du cœur. Accompagné de son fils Dan et de ses filles Katia et Émilie, Paul Daraîche nous livre un album franchement touchant.

Seba et Horg – Grosso-Modo

Réunis pour la première fois au sein du même groupe, le rappeur Seba et le réalisateur DJ Horg offrent sur Grosso-Modo un brillant arrangement de morceaux francs et joyeux. Faisant dans l’humour sans jamais sombrer dans le cynisme, le duo relève le défi de faire du hip-hop léger et divertissant tout en respectant la culture et sans sombrer dans la parodie.

Koriass – La nuit des longs couteaux

Sur son cinquième album, Koriass manie l’allitération avec brio et joue à nouveau habilement avec les mots. Entouré de Philippe Brault et de Ruffsound, collaborateur de la première heure, il nous offre une palette élargie des genres inhérents au hip-hop et présente un album pour le moins ambitieux.

Alaclair Ensemble – Le sens des paroles

Le groupe de Maybe Watson, Vlooper, KenLo Craqnuques, Claude Bégin, Robert Nelson, Eman et Nash est une machine de rap extrêmement bien huilée. Avec Le sens des paroles, Alaclair Ensemble retrouve ses thèmes de prédilection : l’identité, l’aliénation, l’humour et l’autodérision. C’est un album 100 % hip-hop, sans bonbon ni compromis.

Waahli – Black Soap

Voici un album sans faute pour celui que l’on a connu au sein du collectif Nomadic Massive. Les chansons de Black Soap sont rythmiquement complexes, parfois afro-cubaines, entre jazz, reggae et compas constituant une immersion musicale totale dans une identité hip-hop profonde. On se croirait en tout temps dans une session d’improvisation parfaitement maîtrisée. Superbe!

FouKi – Zay

Mariage musical entre le producteur QuietMike et le rappeur FouKi, Zay propose 12 morceaux chaloupés et bellement enfumés, entre le trap, le reggae et le folk. Il s’agit d’un premier album fort réussi pour ces deux jeunes artistes sur lequel se déploie une belle nonchalance. Beats judicieusement malaxés et rimes qui tuent que l’on réécoute avec plaisir.

Lydia Képinski – Premier juin

Contes cruels, ritournelles corrosives, tragédies surréalistes serties d’humour noir : voilà comment on pourrait décrire les huit chansons denses et merveilleuses de ce solide premier album de Lydia Képinski. Avec des pièces finement ciselées, à la mécanique dramatique précise et les émotions sur le fil du rasoir, Premier juin est un album bouleversant de sincérité et de talent.

Galaxie – Super lynx deluxe

La formation du guitariste surdoué Olivier Langevin frappe encore très fort. Les instrumentations costaudes, riffs de guitare aussi mélodieux que « rentre dedans », vibrantes percussions et arrangements soignés créent des musiques électro rock encore une fois endiablées. Plus que jamais, Galaxie est LE son du rock alternatif francophone.

Les Hôtesses d’Hilaire – Viens avec moi

Opéra rock déjanté en 80 minutes de musique rock psychédélique et de folie en stéréo, Viens avec moi s’avère un imposant album. Les élans rock complexes et maîtrisés des Hôtesses d’Hilaire, groupe phare de la contre-culture acadienne actuelle, font de ce disque une œuvre étonnante qui se déguste d’une traite.

Ponctuation – Mon herbier du monde entier

Sur ce troisième disque, Ponctuation (les frères Guillaume et Maxime Chiasson) emprunte un chemin plus vaporeux et psychédélique que sur La réalité nous suffit, paru en 2015 et qui sonnait comme une tonne de briques. Reposant sur des mélodies inspirées, Mon herbier du monde entier est sans doute le disque le plus complet de la formation.

Jésuslesfilles – Daniel

Voilà 27 minutes 29 secondes de rock sacrément bien foutu. De la distorsion, des mélodies pop étonnantes et un sens de l’orchestration toujours en crescendo dramatique, bruyant, abrasif, ce Daniel, du combo montréalais Jésuslesfilles, est un beau condensé de rock pesant et accrocheur.

Dave Chose – Dave Chose

Le rock de Dave Chose ne manque pas d’authenticité, de fougue, d’énergie, de gueule, d’autodérision et de panache. Son premier album, homonyme, est un condensé de chansons grunge rock, plus ou moins folk, habilement construites. Voilà un plus qu’excellent premier album.

Klaus – Klaus

Il est franchement savoureux, ce disque du trio formé des trois cerveaux créatifs que sont François Lafontaine, Joe Grass et Samuel Joly. On nous présente 10 compositions aux mélodies vigoureuses, soutenues par des tempos invitants. Klaus a fait ici un remarquable travail d’exploration des textures sonores que l’on réécoute à profusion.

Les Louanges – La nuit est une panthère

Ce premier album complet de Vincent Roberge (Les Louanges) est une inclassable et ravissante trame lo-fi au son suggestif et planant. L’impeccable réalisation de La nuit est une panthère en fait un tout où les 14 pièces semblent indissociables les unes des autres. Une œuvre splendide.

Fuudge – Les matricides

Le groupe montréalais Fuudge nous offre un premier album décapant, véhément et puissant. Le rock stoner psychédélique un brin rétro des Matricides nous fait entrer dans un univers surréaliste, sombre et tordu, mais non sans humour. Voici un album qui fesse pour de vrai et qui fait plaisir.

H.R.-G.

Album des Fêtes : Ella Wishes You a Swinging Christmas

Si, comme moi, vous avez un faible pour la musique de Noël aux sonorités d’antan, vous aimerez sûrement l’album Ella Wishes You a Swinging Christmas. Paru sous l’étiquette Verve en 1960, il a été enregistré en studio par la célèbre chanteuse américaine Ella Fitzgerald avec la collaboration de l’arrangeur-compositeur Frank DeVol et de son orchestre. Sa version originale comprend une douzaine de titres tous aussi jazzés les uns que les autres, dont les populaires Jingle Bells, Winter Wonderland, Rudolph the Red-Nosed Reindeer et Frosty the Snowman. En 2002, Verve a concocté une réédition du classique. Celle-ci comporte six titres supplémentaires, principalement des versions alternatives de pièces qui se trouvent sur l’album original. Que vous optiez pour ce disque en format vinyle, compact ou numérique, sachez qu’il s’écoute particulièrement bien en décorant le sapin ou en confectionnant des biscuits de pain d’épice. Dans ma chaumière, il jouera sans modération tout le mois de décembre !

E.C.

Alexandra Stréliski : Inscape

Dès la première écoute, ce fut un coup de foudre. Et il a été durable. Lorsque la musique, tout en douceur, de la pianiste et compositrice montréalaise Alexandra Stréliski entre dans votre vie, vous ne voulez plus la laisser repartir. J’écoute ses œuvres lorsque je dois plonger dans un après-midi de rédaction. Les dimanches matin de farniente. Lorsque je reçois des amis à souper. On y reconnaît notamment des inspirations de Chopin et de Philip Glass. C’est beau, mélodieux, enveloppant. Son premier album, Pianoscope, dont les chansons ont beaucoup joué dans les œuvres de Jean-Marc Vallée, est aussi à découvrir. Tout le monde à qui j’ai fait écouter Alexandra Stréliski a aimé instantanément sa musique. Je vous le souhaite aussi. Qui n’a pas besoin d’un peu plus de beauté dans sa vie ?

M.L.

L’exposition Alexander Calder : un inventeur radical

Au moment où la neige s’alourdit sur le paysage, une petite visite au Musée des beaux-arts de Montréal, pour voir Alexander Calder : un inventeur radical, devient presque thérapeutique. À l’instar des mobiles de l’artiste américain, le temps est suspendu dans les salles à la scénographie aérée. Si l’exposition s’avère un peu courte, les enfants semblent demeurer longtemps devant la projection de son cirque miniature avec des sculptures en fil de fer, tandis que les adultes restent un bon moment devant ses mobiles empreints de liberté et de légèreté. Une bouffée d’air frais en cette période surchargée et effrénée qu’est le temps des Fêtes !

E.P.-E.

 Une belle tristesse pour les Fêtes

Certains jugent sa petite musique démodée. Françoise Sagan n’atteindra jamais la respectabilité littéraire d’une Marguerite Duras, mais ses romans, pleins de personnages insouciants et insoumis, ont frappé l’imaginaire. Dès son apparition dans le paysage culturel français des années 1950 avec Bonjour tristesse, qu’elle a toujours qualifié de « mince roman », sa renommée fut mondiale… et les étiquettes sur elle et son œuvre, indélogeables. Peu importe sa minceur, ce premier coup de maître, écrit alors qu’elle était adolescente, vaut le détour, ne serait-ce que pour découvrir le caractère souvent amoral de ses héroïnes. Au fil des décennies, le décor n’a que peu changé, celui d’une bourgeoisie dont elle connaissait les travers, mais elle excellait également dans l’art du portrait. Ses recueils font d’aussi beaux cadeaux que ses romans, tout particulièrement Avec mon meilleur souvenir, où elle rend hommage à des monstres sacrés : Orson Welles, Billie Holiday, Tennessee Williams, et son grand ami Jean-Paul Sartre.

A.L. 

 L’art photographique de Bijou Bolieu

J’adore le travail de la photographe et artiste Caroline Bolieu. La jeune Bas-Laurentienne a le don de saisir la poésie d’un territoire. Cherchant à faire sortir la photographie de son cadre habituel, la photographe prend la route dans sa région avec son appareil photo, et se laisse guider par sa sensibilité. Après avoir capté la beauté de ce qui l’entoure, elle crée des bijoux photographiques sous verre recyclé. Paysages de Kamouraska à Saint-Jean-Port-Joli, photos de forêt enneigée, de billots de bois, de fleurs… Chaque collier est une œuvre d’art en soi.

M.G.

Chaque finale était par ailleurs divisée en trois catégories : cinq artistes en chant, cinq en danse et cinq en variété.

« C’est le premier concours où tous les types d’artistes peuvent participer », dit William Plamondon, qui déplore que plusieurs grands concours établis, particulièrement en chant, « refusent 99 % des gens » qui s’inscrivent. « Nous, on prend tout le monde. C’est vraiment inclusif. »

Il n’y a donc pas de limite d’âge ou de barrières géographiques, précise l’organisateur, qui a été surpris par le niveau de talent des artistes lors des finales régionales. « Certains étaient vraiment exceptionnels. J’ai hâte de montrer ça à tout le monde dimanche. » On pourra donc y voir les neuf gagnants issus des finales régionales, et c’est un jury de neuf personnes qui déterminera le vainqueur de chacune des trois catégories. Les gagnants se partageront 30 000 $ en prix divers.

« Cette année était une année exploratoire, dit William Plamondon. On a regardé, on a évalué, il y aura sûrement des modifications, mais nous reviendrons l’an prochain, c’est certain. »

Dianne Reeves et George Benson sur scène

Chanteuse, mais aussi pianiste et guitariste, l’Américaine Melody Gardot fera à nouveau résonner sa voix sur la scène montréalaise. Autre habituée du Festival, la chanteuse de jazz Dianne Reeves y interprétera notamment les titres de son dernier album, Beautiful Life.

Véritable légende de la guitare jazz, George Benson, notamment connu pour son succès Give Me the Night, reviendra enflammer la scène du Festival, 30 ans après sa première prestation. La chanteuse soul de Nashville Kandace Springs assurera la première partie de son spectacle.

Le Festival annonce aussi la venue du groupe Pink Martini, qui interprétera ses succès des 20 dernières années ainsi que les chansons de son dernier disque Je dis oui!, et du saxophoniste québécois Yannick Rieu pour un concert inédit, où il jouera des morceaux du grand saxophoniste de jazz John Coltrane.

À noter également les participations du Joshua Redman Quartet et, pour la première fois, du Steve Gadd Band, le groupe du batteur Steve Gadd, qui a notamment joué avec Eric Clapton et Paul Simon. Rodrigo Amarante, connu pour avoir composé la chanson du générique de la série Netflix Narcos, fera aussi entendre sa voix et ses mélodies brésiliennes au public du Festival. La vente des billets débutera le 23 novembre à midi.

«Ce qui me flabbergaste [renverse, ndlr], c’est qu’en allant chercher le plus intime et le plus personnel à l’intérieur de moi, ça rejoint quelque chose qui est assez intéressant, observe-t-elle. Nous sommes plus semblables que nous le pensons. Dans mes shows, il y a des enfants, il y a des jeunes, il y a des gens de toutes les cultures. C’est beau à voir. Et moi, ça me donne espoir de voir qu’il y a des émotions qu’on a tous en commun.»

Musique à l’image

Même dans les épreuves, le parcours d’Alexandra Stréliski tient presque du conte de fées. «Je veux faire ça depuis que je suis toute petite, de la musique de film et des récitals de piano. Je vis vraiment la vie que j’avais imaginée», résume celle qui est née à Montréal d’une mère originaire de l’Abitibi et d’un père français. 

En terminant ses études, elle a œuvré dans la musique qu’elle dit «de commande» (publicité, cinéma, etc.) avant de proposer en 2010 Pianoscope, un premier album solo qui n’a pas tardé à faire sa marque et qui a récemment retrouvé le chemin du palmarès. Ses compositions ont notamment attiré l’attention du réalisateur Jean-Marc Vallée, qui les a incluses dans les films Dallas Buyers Club (de là sa présence musicale aux Oscars), Demolition et dans la bande-annonce de la série Big Little Lies. 

Renouveau

Quelques années plus tard, la pianiste travaille dans un studio de postproduction lorsqu’elle plaque tout, en épuisement professionnel. «Je n’étais plus au bon endroit, il fallait que je fasse autre chose, résume-t-elle. Pour moi, un burn-out, c’est quand tu travailles trop, mais c’est aussi quand tu n’es plus à ta place. J’avais l’impression de passer à côté de ma vie. C’est un signal d’alarme qui, au final, est un gros cadeau… Même si tu ne le sens pas comme ça sur le coup.»

La musicienne raconte avoir mis deux ans à remonter la pente. Deux années pendant lesquelles elle n’a presque pas touché à son piano. À la fin de son cheminement, elle a composé l’album Inscape, paru le mois dernier, qui la mènera à passer les prochains mois dans ses valises. 

«Je ne voulais pas que l’album soit trop sombre. J’avais envie de ce renouveau et c’est vraiment à ce moment-là que je l’ai enregistré. C’est vraiment un album qui parle d’une période transitoire», note celle qui dit toujours aimer faire de la musique à l’image. «Je n’ai pas envie d’arrêter», confirme-t-elle. Mais avec un agenda de pianiste soliste très bien garni merci, il faudra sans doute attendre pour les nouveaux projets...

TIERSEN, MANX ET LES AUTRES AU PALAIS MONTCALM

Outre la prestation d’Alexandra Stréliski attendue le 1er mars, le Palais Montcalm accueillera aussi dans les prochains mois le Français Yann Tiersen (31 mai), à qui l’on doit notamment la trame sonore du film Le fabuleux destin d’Amélie Poulain. Côté jazz, David Linx et le Brussels Jazz Orchestra revisiteront Brel le 7 février. Le bluesman Harry Manx s’offrira une nouvelle visite dans la capitale le 8 février et son confrère Colin James le suivra le 12 avril. Florence K, David Myles, Alex Cuba, Nick Petrowsky et Katie Moore rendront hommage à Harry Belafonte le 8 mars. Lauréats du Félix du meilleur spectacle anglophone au dernier gala de l’ADISQ, The Barr Brothers feront escale au Palais Montcalm le 20 février. 

The latter half of the album is a little more eclectic with rockers like Singapour and Je t’aime.  This record also has some of the finest introspective lyrics we’ve heard in a while.  In fact, the closing song includes a one-two punch in Flancher and Mis à nu (“À chaque fois que j’ai marqué, y’avait personne dans les buts. Même si je fais l’amour, je n’m’e suis jamais mis à nu”). Definite contender for album of the year!

Favorite songs : Mis à nu, Fleur Fanée, Singapour, Gisèle, Embrasse-moi

Maïa – Plus que vive (E-Pop)

Années-lumière (French for « light years ») is the album opener, reminiscent of modern-day Mylène Farmer, and appropriately titled if you’ve been following Maïa Davies’ career. This brand new 100% French album is sonically light-years away from what she has proposed in the past (such as Ladies of the Canyon where she is a singer-songwriter). It’s not a bad thing though, Plus que vive is the perfect collection of e-pop gems to get you through the day!

Helped by Gavin Brown on the production helm, Maïa seems right at home in this new musical style. Songwriting wise, this is as good as it gets and could easily compete among the best of pop stars. Lyrically, she tackles love relationships of all forms, from the aching feeling you get while looking at your phone hoping for a sign from the loved one (Échos) to the blossoming back to life sensation associated with falling in love again (Les couleurs me reviennent).

As good as her former projects were, this album knocks it out of the park!  Take a listen and spread the word!

Favorite songs: Échos, Les couleurs me reviennent, Années-lumière, Seule comme une étoile, Ici dans les nuages

Bears of Legend – A Million Lives (Pop-Folk)

The folk band of 7-pieces from Trois-Rivière lead by Vocalist David Lavergne is back with their third album: A Millions Lives. The group, who’s currently on a Quebec tour, are already sold-out on a number of dates and it’s no surprise because their new pop-tinged folk record is one hell of an ear pleaser!

From the opener Any Road to Anywhere and throughout the album, Bears of Legend have crafted beautiful melodies that’ll warm your heart through this early cold autumn. Regardless of the band being a seven-piece, one of their biggest strength is how they arrange and mix each instrument.  Each of them getting their shining moments at the right time.  You can hear a perfect example during the crescendo in the song Isn’t it over now.

Take the time also to contemplate the beautiful artwork (inside and out) created by Étienne Milette for the record. Even with all the changes in the music industry, here’s a band that took the time to put the effort in proposing a great artful product for the fans. There’s no doubt you’ll have your money’s worth on this one!

Favorite songs: I Need It, Only You, Miracle, Isn’t it over now, Young Me (This Inner War)

Alexandra Stréliski – Inscape (Piano-Neoclassical)

Like many people, I discovered Alexandra Stréliski through her recent presence at Tout le monde en parle. For the rest of the world, she’s been discovered with her songs being included in Jean-Marc Vallée’s movies Dallas Buyers Clu,  Demolition, and more recently, in the trailer of HBO’s Big Little Lies’s series.

Close to 15 million streams later, she’s back with a new full-length album, Inscape – Eleven new instrumental mini-movie soundtracks to appease your soul. Delicate, yet powerful, there’s really something unique in Stréliski’s songwriting.  Her songs confer an ability to connect with your soul and bring vivid images to your mind. Case in point, every time the song Blind Vision starts playing, there’s this higher power that prevents me from doing anything else but closing my eyes and listen to that pure, raw beauty coming out of Stréliski’s piano. It’s beautiful as beautiful can be.

Favorite songs: Blind Vision, Burnout Fugue, Plus tôt, The Quiet Voice, Overturn

Catherine Durand – Vingt (Folk)

To celebrate her 20-years of career, Catherine Durand decided to revisit some of the best songs of her past repertoire. Those songs have been re-imagined and completely revamped by Durand to become something completely new and unique. A wonderful folk cocoon. You can read our latest interview and feature on the album and Catherine here.

Favorite songs: Coeurs Migratoires, Aujourd’hui, Marcher Droit, Le Loup

Le spectacle aura lieu au Club Soda le 15 novembre. Les billets sont en vente ici!

 ALEXANDRA STRÉLISKI

M pour Montréal vous présente la parfaite pause-dîner : un tête-à-tête avec Alexandra Stréliski GRATUIT! Difficile de trouver une meilleure façon de terminer sa semaine...

Nos oreilles pourront se délecter à l'écoute des nouvelles pièces de la jeune pianiste qui a été découverte grâce aux films de Jean-Marc Vallée. Le court spectacle d'une heure aura lieu à la Société Saint-Jean-Baptiste sur la rue Sherbrooke le vendredi 16 novembre .

MILK & BONE

On aura la chance d'entrer dans l'univers envoûtant de Camille Poliquin et Laurence Lafond-Beaulne le 16 novembre prochain. Le duo part par la suite en tournée au Canada, aux États-Unis et en Europe, c’est donc le moment ou jamais pour aller les voir en show! Gros plus, la première partie sera assurée par le duo indie Fjord.

Le spectacle aura lieu au MTELUS sur la rue Sainte-Catherine Est, mais l'ouverture des portes sera à 20h30. Les billets sont en vente ici au prix de 34,50$ (sans les taxes ni les frais!)

 HELENA DELAND

Helena Deland est une artiste indiemontréalaise dont la musique, très douce et un peu triste, est parfaite pour accompagner les jours de pluie de novembre. Elle sera en spectacle le 16 novembre prochain au Théâtre Fairmount. Elle partagera la scène avec Tess Roby en première partie. Les billets sont 15$ en prévente.

MULTIPLY

Pour les amateurs de hip hop, le 16 novembre, c'est au Belmont que se tiendra la soirée à ne pas manquer. Ce sera le showcase de Ghost Club Records X Multiply Mtl et plus de 12 artistes seront présents dont Aaricia, Ogee Rodman et Deusgod. On pourra en plus assister au lancement de la compilation WE DON'T DIE WE MULTIPLY.

Le spectacle débutera à 22h et est réservé aux 18 ans et plus. Les billets sont en prévente au coût de 7$.

CORRIDOR

Pour ses cinq ans, Corridor fête en grand! Le quatuor montréalais composé de Jonathan Robert, Dominic Berthiaume, Julien Bakvis et Julian Perreault, nous promet une incroyable soirée ponctuée de plusieurs invités et de surprises (youpi!) On pourra danser sur un mélange de new wave fin '70, de rock psychédélique et de pop joyeuse.

C'est à partir de 22h à L'Escogriffe qu'aura lieu le spectacle. Les billets sont en vente à 18$ ici!

LOUD

Nul besoin de présentation pour cet artiste québécois. Pour la dernière journée du festival, M pour Montréal présente, à notre plus grand plaisir, le rappeur Loud accompagné de plusieurs invités. On espère que vous avez déjà vos billets parce que le spectacle est sold out depuis plusieurs semaines déjà. 

On se retrouve au MTELUS à 22h! ÇA VA ÊTRE INCROYABLE!

Comment peut-on interpréter ce succès populaire pour le moins atypique ?

« Mon équipe et moi nous en étonnons encore, répond humblement la pianiste et compositrice. Il y a d’abord une connexion du cœur, j’ose croire. Je pense avoir rejoint les gens dans leurs émotions, sûrement dans leurs références musicales. Les émotions transmises par de la musique atonale, ça marcherait pas mal moins ! »

Aussi accessible soit-elle, la redécouverte de la musique instrumentale est un facteur important, pose la principale intéressée. D’où cette déferlante de pianistes qui se posent sur des millions de listes d’écoute – Chilly Gonzalez, Agnes Obel, Nils Frahm, Jean-Michel Blais et tant d’autres… 

« Le grand public avait perdu contact avec les émotions que génère la musique classique, car cette musique a été longtemps associée à l’élitisme et la rigidité. » — Alexandra Stréliski 

« Je ne l’affirme pas avec totale certitude, mais j’ai l’impression que des émotions dormantes se réveillent à l’écoute de ma musique, estime-t-elle. Cette expérience-là renaît. Ma musique est un peu comme du pop classique. Si c’est de la musique du passé ? Je ne crois pas… et je m’en câlice un peu. »

« ROMANTIQUE DANS L’ÂME »

Née d’une mère québécoise et d’un père français aux lointaines origines polonaises, Alexandra Stréliski a commencé le piano à 6 ans. Préadolescente, elle composait déjà des mélodies et des harmonies.

« C’est la manière dont je m’exprime, mais j’ai eu un parcours assez classique ; j’ai étudié le piano à McGill et à l’Université de Montréal. Je n’étais pas une excellente lectrice de partitions, ce n’est pas naturel chez moi. Ce n’est pas comme ça que je vis la musique, c’est beaucoup plus fondé sur l’improvisation et la spontanéité. Je compose à partir d’une émotion avant que se précise la forme musicale. »

La musicienne de 33 ans se dit « romantique dans l’âme ».

« J’aime Chopin, Liszt, Brahms, Tchaïkovski, Rachmaninov, mais aussi la musique impressionniste de Ravel, Satie ou Debussy, ou encore celle des compositeurs de musiques de films – John Williams, Michael Nyman, Philip Glass, Hans Zimmer, Alexandre Desplat, etc. J’ai joué tous les compositeurs classiques, j’ai plutôt choisi de composer. »

À l’université, toutefois, elle a choisi de ne pas étudier la composition. 

« Je ne voulais pas faire un trip cérébral. Pour moi, la création est quelque chose d’instinctif, de spontané, d’immédiat. Il n’y a aucune distanciation entre le concept et l’émotion. » — Alexandra Stréliski

Alexandra Stréliski ne fait pas dans la complexité, la simplicité musicale est pour elle un choix. « Il est important pour moi d’offrir une musique accessible. Il y a toujours ce côté de moi en réaction à l’académisme de la musique classique. Lorsqu’il y a trop de complexité, d’ailleurs, tu peux perdre le contact avec l’émotion. Bien sûr, les auditeurs érudits sont plus aptes à ressentir des émotions lorsque la musique est complexe, mais la plupart des gens… non. »

Au terme d’un premier cycle universitaire, elle en a eu marre. Elle a néanmoins été repérée par des professionnels de la pub qui lui ont demandé de composer des trames sonores. Sa carrière de musicienne a ainsi démarré.

« J’ai fait ça pendant trois années, puis j’ai enregistré Pianoscope en 2010. C’est alors que j’ai travaillé au studio La Majeur, coin Bleury et René-Lévesque ; j’y gérais le département de musique originale en postproduction, je traitais toutes les demandes de nos clients – dont plusieurs agences de pub. J’encadrais aussi le travail des compositeurs et je créais aussi de la musique pour nos clients. J’ai aussi dirigé des ensembles, j’ai vécu toutes sortes d’expériences de composition et d’enregistrement. »

INTROSPECTION ET MATURITÉ

Entre-temps, le cinéaste Jean-Marc Vallée a découvert Pianoscope et en a greffé certaines pièces à ses œuvres : Prélude dans Dallas Buyers Club, Le départ dans Demolition, Bourrasques dans la télésérie Big Little Lies. Pendant que Pianoscope faisait son chemin, la vie suivait un cours difficile du côté d’Alexandra. En 2015, elle a cessé toute activité musicale destinée à la pub ou à l’audiovisuel.

« Je sentais que ma vie était à côté de moi. Mon corps a lâché, j’ai vécu deux années de grande fragilité. »

Elle a joué Pianoscope quelques fois en public, puis s’est retirée dans ses terres pour traverser l’épreuve de l’épuisement professionnel. De cette longue et douloureuse introspection est né l’opus Inscape.

« J’ai alors fait le choix de vivre ma carrière de musicienne. Aujourd’hui, je suis bien, mieux que jamais. » — Alexandra Stréliski

« L’évolution musicale de mon nouvel album se trouve dans la maturité émotionnelle. Les formes y sont un peu plus développées, chaque pièce est un univers en soi alors que Pianoscope me semble offrir plusieurs pièces en une seule », indique-t-elle.

Alexandra Stréliski s’apprête à tourner partout au pays et partout dans le monde où Inscape trouve preneurs. Elle compte rester solo, ne rien ajouter jusqu’au bout de ce cycle créatif.

« Mon propre jeu est la clé, je ne suis pas sûre que ça passerait si je n’étais pas l’interprète de ma musique. J’ai le sentiment que beaucoup de force se dégage d’une proposition solo pour piano. C’est ce que je ressens pour l’instant. Ceci étant dit, j’aimerais vraiment travailler avec un orchestre ou un chœur. Mes prochains projets pourraient être plus élaborés. »

Ainsi se répand et se répandra l’émotion Stréliski.

Parmi les autres artistes qui passeront par le Palais Montcalm au cours des prochains mois, notons les visites de Harry Manx (8 février), d’Anoushka Shankar (30 avril), des Barr Brothers (20 février) et de Colin James (12 avril).

D’ailleurs, l’efficacité est une caractéristique très présente dans les compositions de Stréliski qui n’étire pas le propos plus qu’il n’en faut. Les pièces varient de 2 minutes 17 à 4 minutes 17. Elle ne passe pas par quatre chemins pour se rendre au point. On retrouve certains attributs des albums de Jean-Michel Blais dans son néo-classicisme, bien qu’elle est plus douée pour peindre des fresques alors que Blais nous peint des émotions qui souvent nous dépassent.

Plus tôt qui ouvre l’album n’est pas sans rappeler les rues touristiques désertées, les rares fois où cela arrive un mardi après-midi. Comme si tout le monde avait foutu le camp, alors que ce n’est simplement qu’une pause. Par la fenêtre de Théo rappelle les trames d’Amélie Poulain et leur charme indéniable. On y retrouve des trames qui évoquent la vielle animation 2D de Montréal au début des journées à Radio-Canada dans les années 90. Avec l’oiseau qui s’envole et suit le Canada de bord en bord. Le nouveau départ qui clôt l’album se fait un peu hésitant au début. Stréliski fait preuve de nuance dans son doigté et nous emmène tranquillement hors de la noirceur et vers un semblant d’espoir qui renaît. Mais on sent toute la fragilité qui habite toujours la compositrice alors qu’elle pianote les dernières notes d’Inscape.

C’est un album bien réussi pour Alexandra Stréliski qui nous ouvre un peu la porte de son jardin secret. C’est aussi un album idéal pour le néophyte en néo-classique, car ses trames sont accessibles, dénuées d’arrogance et prêtent à être savourée.

Et c’est ce que sut nous véhiculer la pianiste en ce soir de Première.

Stréliski vacilla entre Pianoscope – son premier album – et ses nouveaux morceaux. Elle laissa ses mains s’épancher sur chacune des touches de son piano à queue pour nous raconter la plus belle des histoires… Celle de son cheminement personnel, de sa quête intérieure, de son humble parcours, de ses émotions tantôt joyeuses et nostalgiques, tantôt orageuses, mais toutes mises à nu, bref, l’histoire de son inscape. Elle fit voyager notre imaginaire, nous plongeant dans les projections de lumières et d’images qui accompagnaient le flot de ses partitions hypnotiques. Elle nous toucha, tous sans exception, dans nos profondeurs respectives. Un point de mire qu’elle devrait conserver précieusement et transporter d’une performance à l’autre, d’ailleurs!

La pianiste était dans une forme remarquable, hier soir : elle nous accrochait, souffle coupé, à chacune des notes. Si parfois, le public souriait, c’est dans l’instant d’ensuite qu’il pleurait ou retenait ses larmes, touché par tant de sensibilité, devant tant de talent et de grandeur.

Le réalisateur Jean-Marc Vallée (notamment, Dallas Buyers Club [cinéma, 2013], Big Little lies [télévision, 2017] et Sharp Objects [télévision, 2018], dans lesquels nous pouvons entendre la musique d’Alexandra Stréliski, respectivement, tirés de Pianoscope: Prélude, Le départ et Bourrasques) qui était présent pour l’occasion, hier soir, est ressorti du spectacle impressionné et est reparti inspiré, d’attaque. Une merveilleuse nouvelle pour la pianiste qui aura fort probablement de nombreuses autres occasions de collaborer avec l’artiste en ajoutant sa touche mélodieuse à ses futurs projets! Gageons que nous aurons bientôt la chance d’entendre ses pièces Burnout fugue et Overturn dans nos écrans, ou dans une prochaine cérémonie des Oscars.

Stréliski est une artiste accomplie, une artiste à surveiller de près… de très près. Je vous prédis que nous n’avons pas fini d’en entendre parler. Ce n’est qu’une sublime envolée. Un départ serein et tranquille pour la poursuite de son X.

Ce sont les Parisiens qui seront heureux de se laisser bercer par ses compositions le 18 octobre… Et, à son retour au Québec, le Théâtre Outremont est déjà comble pour son spectacle du 22 février prochain! À votre place, je filerais tout de suite acheter vos billets pour l’une ou l’autre de ses prochaines représentations, car ils s’envolent à une vitesse fulgurante!

Ce n’est donc pas un hasard si on retrouve le piano au premier plan sur Inscape. C’était aussi le cas sur son album précédent, sauf que cette fois, la prise de son est si hautement sensible qu’on entend même le mouvement subtil et délicat des touches du clavier… ou sont-ce les marteaux? Qu’importe, quand on se ferme les yeux, on a l’impression de se retrouver seul avec la pianiste et qu’elle joue rien que pour nous. Interlude semble être l’exception à la règle de l’esthétique dépouillée; les arpèges de la pianiste y sont plutôt enveloppés d’effets éthérés et synthétiques, sans pour autant détonner.

On peut très bien connaître Alexandra Stréliski sans le savoir. Sa musique résonne depuis plusieurs années sur la scène internationale. Jean-Marc Vallée a fait appel à trois créations de son premier album, Pianoscope (2010), par le passé : Prélude dans Dallas Buyers Club, Le départ dans Demolition, et Bourrasques pour la bande-annonce de Little Big Lies.

Plus tôt, la première pièce d’Inscape dévoilée au public le printemps dernier, a quant à elle été entendue dans Sharp Objects, une série diffusée sur le réseau HBO.

La musique d’Alexandra Stréliski est à la fois fragile et tenace. Autant elle nous remue, autant elle se fait réconfort, comme notre douillette préférée un jour de pluie. Autant elle est songée, autant elle demeure accessible et évite de tomber dans la prétention. C’est d’abord et avant tout une musique évocatrice et émotive. On s’y retrouve, on s’y reconnaît, sans avoir à se poser de questions sur sa structure. Alexandra Stréliski a récemment confié à La Presse que « ralentir fait désormais partie de [sa] démarche artistique ». Avec Inscape, elle nous rappelle que chacun aurait avantage à ralentir et à se donner la force de se choisir soi-même.

«C'est sûr que la portée de l'oeuvre de Jean-Marc est très grande. Donc, plus de gens découvre ma musique, même de manière inconsciente. [...] À l'heure actuelle, ça me sert beaucoup puisque je sors un deuxième album. Il a un peu mis son approbation [sur mon travail]. C'est une vraie chance.»

Auparavant, Stréliski a travaillé dans le monde de la publicité. Elle y évolue encore, mais de façon plus spontanée. «Je faisais de la musique au service de quelque chose. Je n’ai pas l’intention d’arrêter, mais c’était trop régulier. […] Ça été une excellente école, mais c’était des montagnes russes...»

«J’ai frappé un mur. J’ai vécu une grosse crise qui a mené à INSCAPE. C’est la deuxième fois que je crée des albums en réaction au monde de la publicité.»

L’opus est déjà disponible via la maison de disque montréalaise Secret City Records. 

https://www.985fm.ca

L’anecdote rappelle combien la relation entre le musicien et son instrument est symbiotique. « Tu ne peux pas avoir plus direct, en terme de charge émotive », que d’entendre ce piano sur lequel furent composées, puis enregistrées, les onze pièces originales d’Inscape, cette fenêtre ouverte sur l’intime de la musicienne qui ne cache pas son admiration pour l’oeuvre de Frédéric Chopin, la première référence qui nous saute aux oreilles en découvrant son nouvel album.

« C’est indéniablement une grosse influence, abonde Alexandra. J’ai grandi avec Chopin. C’est un mélodiste d’abord, Chopin. Chacune de ses mélodies est comme un thème d’opéra… Je suis moi-même une mélodiste ; j’aime les thèmes qui racontent quelque chose », dit-elle, ajoutant au passage qu’elle a en commun avec le célèbre compositeur des racines européennes : « Je suis née à Montréal, mais mon père est français, et son arrière-grand-père était juif et polonais. »

Faire résonner l’intime

Enfant, elle entre au Conservatoire, puis décroche un baccalauréat en musique générale et piano classique à l’Université de Montréal, avant de se diriger vers le domaine de la « musique sur commande, beaucoup de pub, du documentaire, de la musique pour le cinéma », nommément les musiques des films de Jean-Marc Vallée, dont Dallas Buyers Club — sa composition avait même été entendue durant la cérémonie des Oscar en 2014. « Beaucoup de création, mais toujours au service de quelqu’un. » Elle assure avoir appris énormément sur son métier en oeuvrant dans un studio de création musicale, c’est cependant aussi ce qui aura provoqué sa chute, explicitement exprimée sur la huitième pièce de l’album, intitulée Burnout Fugue.

 On a voulu faire de moi une pianiste classique, ça ne m’intéresse pas, c’est trop rigide

— Alexandra Stréliski

« Je voulais dire cette chose, mais je n’avais pas allumé que j’allais ensuite me faire poser autant de questions là-dessus, raconte en souriant Alexandra. Résultat : je parle beaucoup de ma vie personnelle. Mais je me dis : tant qu’à parler, autant dire quelque chose. La dépression, tellement de gens la connaissent… Ce n’est pas un tabou, c’est un passage d’une vie, ça fait du bien d’en parler. Et ça fit avec ma démarche au piano : je partage quelque chose de très intime, ensuite, ça résonne ou ça ne résonne pas dans l’intimité des gens. On est nombreux à vivre la dépression, pourquoi ne pas en parler ? »

La musique sur commande est un bel apprentissage du métier, mais peu gratifiant quand on aspire à plus. « Moi, ce qui m’a fait crasher, c’est de ne pas être à la bonne place dans ma vie. J’ai trop fait les choses pour les autres. » Elle a tout balancé, le job confortable, les contrats qui défilent, pour se soigner l’âme et l’inspiration.

Pas une note de trop

Paraissant presque huit ans après son premier disque (Pianoscope), Inscape sonne magnifiquement bien. Or, il ne nous aura pas échappé que le matriçage de la chose fut confié au réputé compositeur électronique expérimental américain Taylor Deupree, aussi patron de l’étiquette12K, que Stréliski a recruté après avoir remarqué son travail sur la bande originale du film Lion, composée par les pianistes Dustin O’Halloran et Hauschka. « C’est difficile de bien enregistrer et masteriser le piano solo, et je sentais qu’il avait de l’expérience là-dedans. Il a vraiment fait une belle job : le son est chaud, c’est rond, imparfait, pas trop contrôlé. J’ai été impressionné par son travail. »

Dense et dynamique, Inscape ne comporte pas une note en trop. Alexandra Stréliski est une compositrice qui va droit au but, une mélodiste douée possédant aussi un solide sens du rythme. « Je fais de la musique néo-classique-cinématographique-pop », explique-t-elle, soulignant les influences de Glenn Gould, Yann Tiersen ou Philip Glass. « J’aime que ma musique soit accrocheuse, qu’on comprenne l’idée derrière et que ce soit accessible. Je ne dirai jamais que je fais de la musique classique ; on a voulu faire de moi une pianiste classique, ça ne m’intéresse pas, c’est trop rigide. Ma manière, simple et condensée, de composer est en réaction à la musique classique. Je ne veux pas développer tel genre de sonate, je ne veux pas être avant-gardiste, je veux simplement faire de la pop pour toucher le coeur du monde. »

Mélancolique et touchant, sans être trop sombre ni larmoyant, Inscape nage dans les mêmes eaux que son prédécesseur Pianoscope. Paru à la fin 2010 sur Bandcamp, ce premier album autoproduit misait sur une esthétique tout aussi dépouillée, laissant place aux émotions brutes d’une artiste alors en pleine découverte de son potentiel. «J’avais surtout fait cet album-là pour que mes parents soient contents. Même si j’avais pas du tout d’attentes, je cherchais secrètement à attirer des réalisateurs pour faire des collaborations. Composer de la musique de film, c’est mon rêve depuis que je suis toute petite.»

Ce rêve a pris forme lorsque Jean-Marc Vallée l’a contactée pour utiliser Prelude dans son film Dallas Buyers Club en 2013. Quelques mois plus tard, la pièce jouait lors de la cérémonie des Oscars. «C’était impensable comme moment. Encore aujourd’hui, je suis surprise de voir que ma musique a le pouvoir de rejoindre autant de gens. Surtout, je suis honorée qu’elle ait pu rejoindre Jean-Marc Vallée qui, à mon avis, est l’un des réalisateurs qui représente le mieux la complexité des humains dans ses films. Être associée à lui, c’est out of this world», dit celle qui a également collaboré avec le cinéaste pour Demolition et la bande-annonce de la série Big Little Lies. «J’aime la contrainte de composer de la musique spécifiquement pour un film, en respectant la vision du réalisateur ou en me mettant dans la peau d’un personnage. C’est vraiment intéressant comme façon de créer, mais c’est sûr que je m’exprime avec beaucoup plus de liberté sur mes albums. C’est à travers eux que je peux vraiment transposer mes états d’âme.»

Et Stréliski se livre dans toute sa vulnérabilité sur Inscape, album coréalisé par son fidèle ami Maxime Navert et enregistré au studio PM à l’automne 2017. Par leurs titres et leurs ambiances, ces 11 nouvelles compositions peignent une fresque des années mouvementées de la chanteuse. «Le milieu de la pub était vraiment stressant et, à un moment donné, j’ai compris que c’était vide de sens de composer de la musique pour vendre quelque chose à des clients. J’ai compris que j’étais à côté de mes bottines, que j’étais en train de m’oublier. Au lieu de porter mon projet musical au quotidien et de le vivre pleinement, je me retrouvais à travailler pour les autres. Je savais où je devais aller, mais je n’y allais pas.»

En arrêt de travail, la Montréalaise a donc pris du recul. Entre ses séances chez le psychologue, l’ostéopathe et l’acupuncteur, elle a composé son deuxième album sur son piano Lodz (qu’elle traîne depuis l’enfance), sans chercher à vouloir profiter au plus vite de l’attention médiatique reçue dans la foulée des Oscars. «J’avais besoin de vivre quelque chose avant de sortir un album. Finalement, je l’ai eu mon cadeau… Un cadeau empoisonné, difficile à vivre, mais un cadeau quand même. Sans aller jusqu’à dire que la musique a été une thérapie, je peux dire qu’elle m’a aidée à exprimer ce que je ressentais. Maintenant, la thérapie se poursuit, car je dois interpréter cet album-là devant les gens. Avant, j’avais peur de témoigner ma vulnérabilité aux gens. J’avais l’impression que l’émotion allait être trop forte.»

Avec à peine une quinzaine de spectacles en carrière (dont une dizaine dans les derniers mois), Stréliski se dit plus à l’aise que jamais sur scène. Sa signature avec l’étiquette indie montréalaise Secret City Records (Patick Watson, The Barr Brothers) lui a ouvert des horizons à l’international, et elle entrevoit la prochaine année avec optimisme et fébrilité.

Aux côtés de Chilly Gonzales et Jean-Michel Blais, elle fait partie d’un courant de compositeurs québécois qui rejettent les conventions et l’hermétisme propres au milieu de la musique classique. «Je remarque qu’on a tous étudié dans un conservatoire et qu’on a tous, à notre façon, réagi à la rigidité de l’académisme. D’une certaine façon, on symbolise un courant plus ouvert en termes de commercialisation de la musique classique. En ce moment, on a un succès sur les plateformes de streaming, et les labels d’ici se rendent compte de notre potentiel, qui ne se limite pas au marché local, analyse-t-elle. C’est spécial, mais actuellement, on dirait que le public redécouvre la musique classique. Un peu comme si on l’avait oubliée et que, là, elle recommençait à s’adresser à nos émotions.»

Inscape 

(Secret City Records)

sortie le 5 octobre

11 octobre au Centre Phi (Complet)

22 février 2019 au Théâtre Outremont

1er mars 2019 au Palais Montcalm

Plus tôt

C’est l’une des premières pièces que j’ai écrites pour l’album. Elle représente l’espace-temps juste avant ma période sombre, juste avant que je me doute de quoi que ce soit. Elle est l’empreinte émotionnelle qu’il me reste de ma période pré-crise, à un moment où je n’étais pas encore consciente que la vie allait me changer, que des choses allaient m’arriver. Clairement, on perçoit une naïveté et une nostalgie quand on l’écoute. D’ailleurs, le clip représente bien la chanson, car on y voit des souvenirs, autant des images d’archives familiales de la réalisatrice Edith Jorisch que des vieilles archives vidéo de l’Office national du film.

The Quiet Voice

C’est la petite voix qui me murmure doucement à l’oreille que quelque chose veut changer. Quand je l’ai composée, j’ai mis les deux sourdines sur le piano, ce qui a donné un son très, très feutré. Comme si quelque chose d’encore imperceptible, d’encore trop sourd, voulait me parler. Il faut vraiment tendre l’oreille pour entendre ce qu’elle veut dire, cette voix-là. En quelque sorte, elle me dit que la tempête arrive.

Par la fenêtre de Théo

Théo, c’était mon beau-fils avant que je me sépare, un petit garçon que j’ai élevé pendant cinq ans, quelqu’un de super important dans ma vie. J’ai écrit cette chanson sur le piano de mon enfance en le regardant apprendre à marcher, en me mettant dans sa peau. C’est l’un des côtés plus lumineux de l’album.

Ellipse

Celle-là, c’est la dernière que j’ai écrite, et je l’ai même un peu improvisée en studio. Je la vois comme la scène dans un film qui laisse présager ce qui s’en vient. À ce moment, je connaissais le fil narratif de mon histoire et je savais qu’il manquait quelque chose pour le compléter, soit une chanson très intérieure et très douce qui viendrait amorcer un changement temporel. C’est l’une de mes préférées, car elle est très spontanée dans sa livraison et dans sa composition. Je la trouve magnifique.

Changing Winds

C’est le souffle du changement qui, tranquillement, s’installe. Elle symbolise ce moment où j’ai accepté que j’avais des choses à changer dans ma vie et que, par conséquent, ce moment allait entraîner beaucoup de destruction, autant au niveau professionnel que personnel. D’une certaine façon, tout était figé, et je devais tout faire exploser pour éventuellement tout reconstruire. C’est une chanson très intime et moody, un peu inspirée par John Cage. Elle s’est construite sur plusieurs années.

Interlude

C’est un tunnel, cette toune-là. Le tunnel dans lequel tu passes quand tu es dans un train, mais dans un train que tu ne conduis pas, qui te mène quelque part, dans un endroit que tu ne connais pas. Rendu là, c’est contre ton gré: il se passe plein de choses autour de toi, mais tu peux juste les voir défiler. Bref, c’est l’interlude qui divise l’album en deux sections. La première reste dans des tonalités plus douces, rêveuses et nostalgiques, tandis que la deuxième incarne la période sombre, celle de la crise et du mouvement vers le renouveau.

Blind Vision

C’est la pièce la plus sombre. Quand tu es en dépression, tu as constamment un nuage gris autour des yeux. C’est sombre, écrasant, et tu vois petit, comme si tu avais du brouillard dans la tête. En même temps, rendue là dans mon processus, je commençais à savoir où je devais aller, je commençais à voir dans le brouillard. J’étais pas dans mon état normal, je ne voyais pas clair, mais je voyais un peu quand même. L’intuition était là. Avant ça, je n’avais pas d’énergie, j’étais dans le noyau de la noirceur.

Burnout Fugue

Elle représente l’élan de ma colère, celui qui m’a poussée à m’en sortir. Je l’ai écrite en quatre jours, révoltée et enragée. Fallait que je me réveille et que je change le cours de ma vie. En musique classique, une fugue, c’est l’assemblement de plusieurs voix mélodiques qui chantent en même temps. Quand j’y pense, ça a un lien direct avec toutes les ruminations que j’avais dans ma tête à ce moment-là, toutes les préoccupations et les pensées incessantes reliées à mon travail dans le milieu de la pub. C’est l’une de mes chansons les plus thérapeutiques, un peu comme la balle antistress que tu squeezes.

Overturn

Pour moi, Overturn, c’est le moment où tu décides du sort de ta vie, où tu acceptes ta transformation. C’est toi qui dis: «Voici la direction dans laquelle je vais aller.» Tu vis encore les contrecoups de la crise existentielle, mais tu regardes enfin en avant. Il y a des lueurs de particules de nouveau.

Revient le jour

C’est le même genre de propos: le début du jour. Tu commences à voir le soleil qui se lève, la lumière qui revient. C’est une chanson que j’ai commencé à composer il y a longtemps et que j’ai mis plusieurs mois à terminer. Elle représente bien le processus d’écriture, assez long et complexe, de l’album.

Le nouveau départ

C’est la pièce finale, celle du renouveau et de la nouvelle vie. Il y a une certaine fébrilité qui transparait, une certaine nostalgie aussi. Je suis dans le train et je regarde par la fenêtre, en me souvenant de ce qui s’est passé. Cette fois, j’ai les idées claires et, quand j’arrive à la gare, il y a un autre train qui m’attend.

Inscape sera disponible en magasin le 5 octobre.

Lancement au Centre Phi le 11 octobre.

Vous l’aurez compris, Vallée est un fan de la première heure du travail d’Alexandra Stréliski. Le réalisateur a aussi placé des pièces de son premier album, Pianoscope, lancé à compte d’auteur en 2010, dans Dallas Buyers Club et Demolition. Rien de plus normal pour cette spécialiste de la musique à l’image, qui a travaillé dans la publicité pendant des années. Si elle a été comblée par ce métier pendant longtemps, elle a fini par frapper le mur de l’épuisement professionnel, qui l’a amenée à s’interroger sur ses envies les plus profondes. Ce n’est pas pour rien que son album, fruit de son introspection, s’appelle Inscape, un mot qui décrit la plongée dans son paysage intérieur. Et il n’y a rien d’innocent non plus à ce qu’on y trouve une pièce qui s’intitule Burnout Fugue… « Dans la fugue, on retrouve plusieurs voix mélodiques et c’est exactement ce qui se passe dans un burnout, où te retrouves avec toutes sortes de phrases qui tournent en boucle dans ta tête », explique Alexandra, qui dit avoir composé cette pièce dans l’urgence.

Malgré la tempête interne qui l’a alimentée, cette musique, qui repose sur le piano solo, a quelque chose d’enveloppant et d’apaisant. Faute de mieux, on la qualifie de « néo-classique », un terme apparu il y a une centaine d’années, mais qu’on a dépoussiéré pour parler d’un genre instrumental qui trouve la faveur de mélomanes en tous genres. Parmi les noms que l’on associe au genre aujourd’hui, on retrouve presque exclusivement des pianistes, comme les Canadiens Jean-Michel Blais et Chilly Gonzales, ainsi quelques Islandais, tels Olafur Arnalds. De la fort belle compagnie, au sein de laquelle Alexandra se sent très à l’aise. « Ça ne me gêne pas du tout, cette étiquette, je dirais même que je la revendique! », lance-t-elle avec enthousiasme. « Lorsque j’ai rencontré Jean-Michel Blais, c’est comme si je m’étais retrouvée face à face avec mon jumeau cosmique. Nous avons tous – et j’inclus certainement Gonzales dans ce groupe – des points en commun : nous avons fait des études en musique et nous avons rejeté le côté rigide de l’académisme. »

Ce qui explique aussi que cette musique est beaucoup plus émotive qu’intellectuelle. Ses adeptes préfèrent de loin susciter des émotions chez des publics de profanes plutôt que de séduire l’élite par une approche avant-gardiste. Accessible, évocatrice et imagée… pas étonnant qu’elle inspire autant de cinéastes. Alexandra est la première à dire qu’il n’y a rien de révolutionnaire dans son approche mélodique et se réjouit de constater qu’elle touche un large public. « Je pense que l’utilisation du piano y est pour beaucoup, explique Alexandra. C’est un instrument magique qui vient tout de suite chercher les gens. »

Avec la sortie d’Inscape, Alexandra s’apprête à entrer dans la lumière en proposant un spectacle qu’elle décrit comme « intime, poétique et immersif ». Et si elle est présentement en train de créer son propre univers, elle a bien l’intention de continuer à créer des musiques pour les images des autres. « Éventuellement j’aimerais faire un projet avec des chanteurs, mais mon but c’est surtout de continuer à faire du cinéma, explique-t-elle. J’aime beaucoup les gens qui ont une signature visuelle très affirmée, comme Michel Gondry ou Wes Anderson. Mais j’adorerais aussi travailler avec Denis Villeneuve! » Quelque chose nous dit que son téléphone n’a pas fini de sonner.

En plein soleil, la voix de Juliette Bossé perce comme un rayon à travers les orchestrations de synthé et le jeu de batterie de son collègue Kévin Mahé. La forme est simple, mais les jolies chansons et la douceur de Juliette nous tirent l’oreille. Même les joggeurs du dimanche se sont accordé un moment de répit avec les Belges.

À 17 h, la compositrice Alexandra Stréliski dévoilait les oeuvres nouvelles de l’album Inscape qui paraîtra le 5 octobre prochain chez Secret City. Un dimanche de rattrapage, puisque nous l’avions manquée, elle aussi, en première partie de Mélanie di Biasio lors du dernier Festival international de jazz. Dans cette ancienne église devenue l’Agora des arts, Stréliski a imposé la sérénité acquise après avoir quitté son boulot 9 à 5 pour se consacrer pleinement à ce nouvel album. Fans de Jean-Michel Blais, tendez l’oreille : avec son flair pour les mélodies riches et les tempos confortables, la pianiste suggère l’oeuvre de Debussy, Chopin et Satie à la sauce minimaliste contemporaine qui permet au courant néoclassique de trouver un nouveau public. On se ferme les yeux un instant, et on s’abandonne au bout des doigts de la timide interprète.

De retour en soirée à l’Agora, c’est en compagnie du duo Milk & Bones qu’on souligne la fin du FME. La salle est bondée, vous vous en doutez. Une première visite, enfin, des deux musiciennes qui ont promis qu’après les chansons douces, elles en offriraient de plus rythmées et dansantes. Les fans étaient comblés, mais s’il n’en tenait qu’à nous, exténué d’avoir dansé tout le week-end, les douceurs nous auraient suffi. Milk & Bones a beau avoir raffiné ses constructions rythmiques sur le second disque (Deception Bay), c’est encore et toujours l’harmonie parfaite de ces deux voix qui nous bercent. Les festivaliers ont fait un triomphe aux musiciennes, c’était mérité.

Chantons Les Louanges

Pour une partie de l’industrie musicale québécoise, le FME, c’est un peu la rentrée condensée : plusieurs artistes en vitrine y présentent pour la première fois les chansons de leurs nouveaux projets – c’est le cas de Choses Sauvages, Yes McCan, de l’auteur-compositeur-interprète Jérôme 50 qui lancera son disque plus tard cet automne chez Grosse Boîte, Samuele qui s’apprête à offrir un nouvel EP, le duo Babylones qui a lancé son nouvel album Le Désordre pour le style vendredi dernier (en concert au Ministère le 11 septembre), on en oublie sûrement.

Mais on n’oubliera pas le concert de Les Louanges (Vincent Roberge) de samedi dernier – l’un des succès d’estime du festival, en tous cas auprès des professionnels, d’ici et d’Europe.

L’auteur, compositeur et interprète baignait déjà il y a deux ans dans une chanson rock qui louchait du côté jazz, démarche qu’il poussa jusqu’aux finales des Francouvertes en 2017. Un an et demi plus tard, la sensibilité mélodique du chansonnier est toujours aussi vive, mais l’enveloppe s’est considérablement transformée : entouré de trois nouveaux musiciens, Roberge explore aujourd’hui un funk-pop synthétique dans l’air du temps qui sied confortablement à sa poésie cool. Le travail, l’ouverture à de nouvelles influences, porte fruit : tout le monde est ressorti du Café L’Abstracto où il se produisait samedi avec le sourire. Portez attention à son premier album, La Nuit est une panthère, attendu le 21 septembre (lancement la veille au Ministère) : il y a là-dedans de petites perles de pop francophone intelligente et groovy.

Comment faire du beau avec du beige

Justement, au Café L’Abstracto avant le concert de Les Louanges, on retrouve Daniel, fier Rouynorandien qui suit le FME depuis sa première édition. « Faut que je te montre la murale en hommage à Richard Desjardins ! » Le rendez-vous est pris le lendemain après midi — direction le viaduc de la 117, juste au nord du petit lac Kiwanis.

Ce qu’était encore au printemps dernier qu’un bête et long mur de béton beige s’est transformé en deux mois en une magnifique fresque murale de 160 mètres de long par 6 mètres de haut. C’était laid, c’est maintenant de l’art, représentant une succession de scènes inspirées des textes des chansons de Richard Desjardins. Un couple de jeunes amoureux de la place enlacés pour Un Beau grand slow. Une voiture rouge roulant vers la fonderie Horne pour Et j’ai couché dans mon char, la femme de ménage (Tu m’aimes-tu) qui change les draps de la « chambre avec un lac dedans » (Y’a rien qu’icitte qu’on est ben). Ce ne sont que le plus évidentes ; le jeu est de longer le trottoir opposé et d’observer en cherchant dans cette vaste fresque les références plus subtiles.

« Avant, personne ne s’arrêtait ici ; depuis deux mois, les gens s’arrêtent pour nous regarder travailler et prendre des photos », se réjouit la muraliste Ariane Ouellet, instigatrice du monumental projet, qui a nécessité plus de deux mois de travail. Cinq autres muralistes — toutes des femmes — ont travaillé d’arrache-pied à cet hommage au plus grand poète de la région, qui a bien sûr donné son aval à l’entreprise aux trois quarts financée par des dons privés qu’elle a mis plus de deux ans à récolter.

« Tout ce qu’on voulait faire, c’est raconter qui nous sommes, parler de notre région, nos richesses » à travers cette oeuvre, et elles ne pouvaient trouver mieux que le chantre Desjardins. Il assistera à l’inauguration officielle de l’oeuvre, le 13 septembre prochain. D’ici là, les filles seront à pied d’oeuvre pour apporter les dernières touches à l’impressionnante murale — et ce, dès aujourd’hui, en pleine fête du Travail.

La coupure

Il y a un an, elle a quitté ce monde, cet emploi de 9 à 5, pour s’adonner uniquement à sa propre musique. «J’ai complètement crashé, affirme-t-elle. J’ai fait un burnout et je me suis posé beaucoup de questions.»

De cette période tourmentée sont nées les pièces qui composent le prochain album. «Il est donc très personnel, signale-t-elle. On suit mon voyage à l’intérieur. De là le titre… Ce sont des scènes de mon paysage intérieur.»

Peur de la scène

Les occasions de vivre la musique d’Alexandra Stréliski ont donc été rares auparavant même après la sortie de son premier album, Pianoscope, paru en 2010 et qui a connu une forte popularité et reconnaissance sur les médias numériques grâce à sa performance en direct à la cérémonie des Oscars. Mais une certaine crainte du live l’a toujours habitée. «J’ai décidé de l’affronter. De plonger de tout cœur», lance-t-elle.

Sa prestation au FME sera donc le début d’une série de spectacles qui sont en fait des vitrines pour mieux faire connaître la musique de l’artiste.

Le FME revêt d’ailleurs une importance toute particulière aux yeux d’Alexandra Stréliski, alors qu’une partie de sa famille maternelle habite Rivière-Héva. Plus précisément, ils sont les propriétaires de la ferme Les Œufs Richard. «J’aurai donc des membres de ma famille dans la salle le 2 septembre», souligne-t-elle.

Mélomane

Ce n’est pas la première fois que la musicienne, qui évolue dans le monde du néo-classique, voit l’une de ses compositions accompagner les images du réalisateur québécois.

« La première fois que c’est arrivé, je le connaissais en tant que réalisateur, comme tout le monde, a raconté l’artiste. J’ai sorti mon album Pianoscope en 2010, très simplement, sur le web. Jean-Marc, c’est un vrai mélomane, donc il fouille. Il est tombé sur mon travail je ne sais pas comment, mais il a flashé sur Prélude, la première pièce, qu’il a mise dans Dallas Buyers Club. »

Puisque Dallas Buyers Club (2013) s’est frayé un chemin jusqu’aux Oscars, la pianiste a pu entendre sa chanson en direct, lors de la cérémonie de remise de prix. Par la suite, les chiffres de streaming de Pianoscope ont bondi, atteignant rapidement les 15 millions d’écoutes. Depuis, Jean-Marc Vallée a mis de l’avant le travail d’Alexandra dans son film Demolition (2016), mais aussi dans la bande-annonce de sa série Big Little Lies (2017).

« Je ne peux pas rattacher les choses directement à Dallas Buyers Club, mais c’est sûr que les gens recherchent la musique qu’ils entendent », a souligné l’artiste.

Collaboration

Il est fort probable que les téléspectateurs qui suivront Sharp Objects entendent à nouveau la musique de la pianiste, puisque cette dernière a travaillé en étroite collaboration avec le réalisateur sur le projet.

« Je ne peux pas encore dévoiler le contenu de tout ça, mais nous nous sommes rencontrés pour discuter », a confirmé la musicienne, qui fera paraître son deuxième album, Inscape, le 5 octobre.

« De ce que je comprends, la musique fait vraiment partie de la manière dont il va créer une scène. Un grand réalisateur, selon moi, fait ça. La musique, c’est comme une corde de plus à son arc, au même titre que la lumière, la photo et le casting. Jean-Marc, c’est un grand chef d’orchestre. »

Super Écran diffusera la version française de la série, Sur ma peau, à compter du 12 août. Sa version originale est diffusée sur HBO, le dimanche, à 21 h.

Un monde de pub

Jusqu’à l’année dernière, Alexandra Stréliski était pourtant salariée dans un studio de postproduction en publicité. Depuis 5 ou 6 ans, cette diplômée en musique du Conservatoire de McGill et de l’Université de Montréal composait des œuvres sur commande, dans la stabilité des horaires de travail de 9 à 5.

Elle adorait cet exercice de style où l’on met son art au service d’un produit, d’un commerce, d’une idée. Elle prenait les désirs de chaque client comme autant de défis à relever. Bon an, mal an, elle signait la musique d’une quarantaine de pubs par année. Et elle brillait ! Dans le milieu, au Québec et au Canada, sa musique était primée.

« J’avais des choses personnelles à raconter, avoue la jeune femme, mais je vivais une sorte d’abnégation, que je dirais nécessaire quand on se met au service des idées des autres. Je me rendais trop occupée pour faire de la place à mon art. J’étais en quête de performance. J’avais besoin d’action. En réalité, je fuyais quelque chose et j’avais beau courir vite, cela allait me rattraper. »

La peur de la scène

La musicienne avoue être terrifiée à l’idée de monter sur scène. Et ce n’est pas d’hier. Quand on demandait à Alexandra, petite, de jouer lors d’une grande réunion familiale, autant que possible, elle refusait. « Je trouvais déjà difficile, à 5 ans, à 10 ans, à 15 ans, d’étaler ma vulnérabilité dans le salon, s’il y avait plus de monde que ma famille immédiate. En travaillant en studio, j’étais à l’abri. Cachée. »

En dilettante, en dehors de ses heures de travail, la pianiste néoclassique a rassemblé des pièces musicales de son cru, qu’elle a enregistrées dans le studio d’un ami. En 2010, sans tambour ni trompette, elle a lancé son opus Pianoscope presque silencieusement, le rendant accessible sur Bandcamp et YouTube. À ce jour, son album a généré près de 15 millions de clics.

L’an dernier, elle a quitté son emploi et a décidé de se consacrer à son art à temps plein. Ce qui a changé ?

« J’ai fait un burnout. Pour m’en sortir, j’ai dû ralentir, remettre de l’équilibre dans ma vie. Je prends mes distances vis-à-vis de cette culture de performance. Je fais du sport, et plus de choses qui me font plaisir. »

– Alexandra Stréliski

Nouvelle identité

À 33 ans, elle a joint la grande famille de Secret City Records – aux côtés des Patrick Watson, The Barr Brothers et Basia Bulat – et lancera Inscape, qui sortira en octobre. La compositrice n’hésite pas à qualifier cet album de « plus personnel ».

« Inscape est le fruit d’une année d’introspection et de transformation. Pour moi, c’est venu comme un coup de masse sur la tête. J’ai été obligée de m’arrêter. Mais j’en suis sortie plus lumineuse. »

– Alexandra Stréliski

Elle vient tout juste de faire la première partie du spectacle de l’envoûtante Melanie de Biasio, au Monument-National, à l’occasion du Festival international de jazz de Montréal. « C’est ma première "grande" scène à vie, avoue Alexandra. J’ai mis du temps avant d’accepter d’aller là. Ce que je fuyais, je le portais en moi. Je souhaite à tout le monde de pouvoir s’accorder une pause, et si mes concerts peuvent servir à rêver un peu, tant mieux ! Ralentir fait désormais partie de ma démarche artistique. Je crois que c’est la seule manière pour chaque humain de trouver son essence. »

Recorded in Fall 2017 at Studio PM in Montreal, INSCAPE is the work of an artist unconcerned with conventions, whose approach of neoclassicism is resolutely current. Produced by Alexandra Stréliski herself and Maxime Navert (who also co-produced Pianoscope), the attempt was to fill a certain emotional emptiness, a creative urge that commits to taking the listener back to a form of lost sincerity. “A piano, on its own, is a very vulnerable thing, and I want to share this moment with the listener,” explains Alexandra.

“To me,” says Stréliski, “Inscape was an existential crisis. A year where everything capsized and I had to go through various interior landscapes – hectic, beautiful and painful at the same time. I found myself in a space filled with grey areas that I didn’t know how to escape.”

“Inscape” is a portmanteau combining the words “interior” and “landscape.” This philosophical concept has been associated with both visual art and psychoanalysis, and it becomes wonderfully musical in the hands of Stréliski.

One of the rare women in the neoclassical world, Alexandra Stréliski creates music that enthralls listeners, filling their minds with rich, cinematic images. An artist of Polish Jewish origin who grew up between Paris and Montreal, she made her debut with the 2010 album Pianoscope, but the general public discovered her via Jean-Marc Vallée’s films Dallas Buyers Club (2013) and Demolition (2016) and, more recently, the trailer of the acclaimed HBO series Big Little Lies (2017). The aforementioned support of Jean-Marc Vallée, which allowed Stréliski’s music to be heard during the Oscars ceremony in 2014, brought her streaming numbers up to nearly 15 million and seen her play sold-out concerts at the Montreal International Jazz Festival in recent years. UK newspaper The Telegraph praised her debut album as “distinguishable by its simplicity, its sensitivity and softness”.

Le premier extrait et vidéoclip Plus tôt a été dévoilé en primeur avec VOIR. Stréliski explique que c’est une pièce qui évoque l’espace-temps où nous nous trouvons avant que les choses nous arrivent. Le calme que l’on ressent lorsqu’on ne sait pas que certains événements s’apprêtent à nous changer. C’est le début de l’Inscape. Edith Jorisch, la réalisatrice du vidéoclip, partage quant à elle son inspiration créative : c’est une exploration de la place de l’homme dans l’univers, son rapport à ce qui l’entoure, à lui-même: au plus petit comme au plus grand, au tangible et à l’intangible. Qu’arrive-t-il quand tout se confond?

Enregistré à l’automne 2017 au Studio PM à Montréal, INSCAPE se dévoile comme l’œuvre d’une artiste qui se joue bien des conventions et qui cherche à combler un certain vide émotionnel pour s’inscrire dans une tendance néo-classique résolument actuelle. Réalisé par Alexandra Stréliski elle-même et Maxime Navert (qui a également co-produit Pianoscope), l’enjeu a été de créer une pulsion créatrice qui s’engage à ramener l’auditeur vers une sincérité égarée : Un piano, seul, c’est très vulnérable et je cherche à partager ce moment avec un auditeur, explique Alexandra.

Pour moi, confie Stréliski, l’inscape a été une crise existentielle. Une année où tout a chaviré et où j’ai eu à traverser divers paysages intérieurs, mouvementés, beaux et souffrants à la fois. Je me suis retrouvée dans un espace empli de zones de gris duquel je ne savais plus revenir.

Le terme anglophone « inscape » est un concept réunissant « interior » et « landscape », qu’on pourrait traduire en français par « paysage intérieur ». Une notion philosophique autant associée aux arts visuels qu’à la psychanalyse et qui devient merveilleusement musicale au contact de Stréliski.

Liste des pièces sur INSCAPE

1. Plus tôt

2. The Quiet Voice

3. Par la fenêtre de Théo

4. Ellipse

5. Changing Winds

6. Interlude

7. Blind Vision

8. Burnout Fugue

9. Overturn

10. Revient le jour

11. Le nouveau départ

AlexandraStreliski.com

Rare femme évoluant dans le monde du néo-classique, Alexandra Stréliski n’a rien d’une pianiste conventionnelle. Elle crée une musique qui fait vibrer l’auditeur émotionnellement, emplissant l’esprit de riches images cinématographiques. Artiste d’origine juive polonaise ayant grandi entre Paris et Montréal, Stréliski a fait ses débuts avec son album Pianoscope sorti en 2010. Elle a d’ailleurs été révélée au grand public à travers les films Dallas Buyers Club (2013) et Demolition (2016) de Jean-Marc Vallée et, plus récemment, via la bande-annonce de l’acclamée série du réalisateur québécois, Big Little Lies (HBO, 2017). Appuyée par le coup de cœur mentionné plus haut de Jean-Marc Vallée, qui permet à la musique de Stréliski de retentir en direct lors de la cérémonie des Oscars en 2014, la pianiste bénéficie d’une vitrine stellaire faisant bondir à près de quinze millions les écoutes en continu à travers les différentes plateformes numériques. Elle se produit à guichet fermé lors de plusieurs concerts au Festival International de Jazz de Montréal et le journal britannique The Telegraph encense d’ailleurs la créatrice, parlant d’un premier album sensible, mélancolique et lumineux.

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«Pour moi, INSCAPE a été une crise existentielle. Une année où tout a chaviré et où j’ai eu à traverser divers paysages intérieurs, mouvementés, beaux et souffrants à la fois. Je me suis retrouvée dans un espace empli de zones de gris duquel je ne savais plus revenir», confie la pianiste, qui s’en remet ici à son piano brut, sans artifice.

Enregistré au Studio PM à Montréal, l’album réalisé par Stréliski et son fidèle allié Maxime Navert paraîtra le 5 octobre prochain sous Secret City Records.

Enregistré à l’automne 2017 au Studio PM à Montréal, INSCAPE se dévoile comme l’œuvre d’une artiste qui se joue bien des conventions et qui cherche à combler un certain vide émotionnel pour s’inscrire dans une tendance néo-classique résolument actuelle. Réalisé par Alexandra Stréliski elle-même et Maxime Navert (qui a également co-produit Pianoscope), l’enjeu a été de créer une pulsion créatrice qui s’engage à ramener l’auditeur vers une sincérité égarée : Un piano, seul, c’est très vulnérable et je cherche à partager ce moment avec un auditeur, explique Alexandra.

Pour moi, confie Stréliski, l’inscape a été une crise existentielle. Une année où tout a chaviré et où j’ai eu à traverser divers paysages intérieurs, mouvementés, beaux et souffrants à la fois. Je me suis retrouvée dans un espace empli de zones de gris duquel je ne savais plus revenir.

Le terme anglophone « inscape » est un concept réunissant « interior » et « landscape », qu’on pourrait traduire en français par « paysage intérieur ». Une notion philosophique autant associée aux arts visuels qu’à la psychanalyse et qui devient merveilleusement musicale au contact de Stréliski.

SPECTACLES

6 juillet 2018

Monument National • Montréal

Festival International de Jazz de Montréal*

30 août – 2 septembre 2018

Festival de musique émergente • Abitibi-Témiscamingue

11 octobre 2018

Centre Phi • Montréal

Lancement d’album

29 mars 2019

Théâtre Gilles-Vigneault • St-Jérôme

*Première partie de Mélanie De Biasio

Liste des pièces sur INSCAPE

1. Plus tôt

2. The Quiet Voice

3. Par la fenêtre de Théo

4. Ellipse

5. Changing Winds

6. Interlude

7. Blind Vision

8. Burnout Fugue

9. Overturn

10. Revient le jour

11. Le nouveau départ

AlexandraStreliski.com

Rare femme évoluant dans le monde du néo-classique, Alexandra Stréliski n’a rien d’une pianiste conventionnelle. Elle crée une musique qui fait vibrer l’auditeur émotionnellement, emplissant l’esprit de riches images cinématographiques. Artiste d’origine juive polonaise ayant grandi entre Paris et Montréal, Stréliski a fait ses débuts avec son album Pianoscope sorti en 2010. Elle a d’ailleurs été révélée au grand public à travers les films Dallas Buyers Club (2013) et Demolition (2016) de Jean-Marc Vallée et, plus récemment, via la bande-annonce de l’acclamée série du réalisateur québécois, Big Little Lies (HBO, 2017). Appuyée par le coup de cœur mentionné plus haut de Jean-Marc Vallée, qui permet à la musique de Stréliski de retentir en direct lors de la cérémonie des Oscars en 2014, la pianiste bénéficie d’une vitrine stellaire faisant bondir à près de quinze millions les écoutes en continu à travers les différentes plateformes numériques. Elle se produit à guichet fermé lors de plusieurs concerts au Festival International de Jazz de Montréal et le journal britannique The Telegraph encense d’ailleurs la créatrice, parlant d’un premier album sensible, mélancolique et lumineux.